【DJ.89】-电音王国，荷兰

古典音乐，交响乐，钢琴曲…………

这张专辑收录了玛塔·阿格丽奇演奏的代表曲目，包括肖邦、舒曼、李斯特的钢琴独奏作品。 第一首乐曲是肖邦的作品，从中可以感受到阿格丽奇如何让大部份认定这是古典作品的浪漫派人士，听到如此煽动人心、心境变化分明的诠释。飞利浦相当大胆地选出肖邦前奏曲作品45。这是一首阴郁且诗意的佳作，阿格丽奇的诠释相当性格，苦甜交杂的气氛像是预示勃拉姆斯最后一首间奏曲也会交杂着悲伤或曲折的变化，千变万化的装饰奏与结尾部份有类似歌剧的戏倒性及夸张。早些年录制的前奏曲作品28最大的魅力，在于阿格丽奇的演奏掌握到罕有的优美即兴演出及火花。欢欣与颓丧、光彩与阴暗、痛苦与宁静不断交替出现，阿格丽奇捕捉到音乐最原始的本色并创造出炽热的气氛。作品28-1的速度为急板，速度虽快，阿格丽奇的节奏性仍然新鲜而且有条理。如果作品28-2的速度比较偏向小行板而非缓板，阿格丽奇在结尾的几小节中，把它凄凉的风格充份而且清晰地表露无疑。接下来的作品28-4犹如突如其来奔流的血液。作品28-5的开始乐段再一次提醒我们，即使是最平淡的速度，阿格丽奇依旧能清晰地弹出抑扬变化；至于作品28-8的早期拉赫玛尼诺夫式华丽风格、作品28-13中段带有内省风格的“更慢”乐段，很难会有比这更具说服力的诠释。正确来说，作品28-14的速度应该是快板而非急板，只是乐曲中多出一小段如风暴般的乐句(近年有人认为这段乐句并不适合以行板演奏，效果也不具说服力)。在阿格丽奇手中，作品28-16具有相当凶猛的爆发力，手指在第五小节的速度迅如点水，音乐有如所谓“燃烧的太阳”。作品28-23比谱上速度标记“中板”更为狂热，因此速度记号对阿格丽奇来说或许只供参者而已（受到前一首前奏曲影几而产生的夸张？），强烈影响到拉赫玛尼诺夫降E小调《图画练习曲》作品39的前奏曲作品28-24真正展现出令人惊愕的磅礡气势，砰然作响的最后三个音符有如晴天霹雳。

这张专辑收录了小提琴家美岛莉与钢琴家麦克唐纳合作，演奏的28首小提琴安可曲。这些短小的作品全面展现了美岛莉的高超技艺，是近来最精彩的小品专辑。曲目选择精良、录音优秀、琴声传真。改编自肖斯塔科维奇的《前奏曲》哀婉幽怨、感情深沉。萨拉萨蒂的《引子与塔兰泰拉舞曲》，引子拉得细腻委婉、情思悠长；塔兰泰拉速度奇快，左手上下翻飞，如同电子计算机一样准确无误，精湛的技巧令人瞠目结舌，激动人心的力量不亚于任何小提琴大师。巴托克的《6首罗马尼亚民间舞曲》抒情、柔美、沉思、欢舞，错落有致、前后辉映，听来入迷，不觉时光倏忽流逝。

这套专辑是澳大利亚钢琴家乔伊斯1933年至1945年期间录制的独奏全集。专辑收录了三十几位作曲家的钢琴独奏作品和改编作品，涵盖巴洛克、古典派、浪漫派、印象派、现代派等风格，超过六个小时的录音。 乔伊斯是英国著名钢琴教育家托拜厄斯·马太（Tobias Matthay，1858-1945)的学生，她在1930-1933年跟随马太学习。马太1900年创办了自己的钢琴学校，实践和推广他的钢琴演奏技术理论和教学法。他在《触键的动作》一书中全面探讨了钢琴演奏与生理的关系，强调肌肉放松、前臂转动等理论。虽然引起各方面的争论，但他终究培养了不少著名钢琴家。他的教学法不仅在英国闻名，并传到欧洲和北美洲。

这张专辑收录了玛塔·阿格丽奇演奏的代表曲目，包括：李斯特《第一钢琴协奏曲》、拉威尔《G大调钢琴协奏曲》、拉赫玛尼诺夫《第三钢琴协奏曲》、巴赫《第二组曲》、普罗科菲耶夫《第三钢琴协奏曲》等。 玛塔·阿格丽奇（Martha Argerich）1941年6月5日出生于布宜诺斯艾利斯，阿根廷钢琴家。阿格丽奇具有女性钢琴演奏者少见的力道、速度与外放的性情，这让她的演奏风格无法被归为女性钢琴演奏者的派系中。究其原因，主要是因为阿格丽奇具有像男性钢琴演奏者一样粗壮的手臂、结实的手指，所以可以和注重力量与炫技的男性钢琴演奏者相比较。例如，在弹奏轻柔的乐曲时，她的手指只要平贴于键盘，就可以发出按压到底的音色。而在演奏大型作品时，也可以运用双手敲击出足够的音量。同时，阿格丽奇的演奏也并非一味生猛，特别是在演奏乐思比较丰富的多乐章作品时，她更注重动与静、明与暗的对比。 从具体的演奏上看，阿格丽奇的突出特点是快，即读谱快、视奏快，拿下一首作品的周期快，以及手指的速度快。例如，弹奏李斯特的奏鸣曲，左手的八个八度，她用不到一秒钟即可弹奏完。在此基础上，她的琴音可以为了求速度、求表情而不用顾及声音是否细腻。 很少有音乐家像钢琴演奏者玛塔·阿格丽奇那样被耀眼光环和神秘面纱同时笼罩。她的光环来自于年轻时的倾城倾国之美，在键盘前无懈可击的技巧。“圣手”一词也许并不能完全恰当地形容玛塔·阿格丽奇，她的特点是狂飙式的奔放激情，像雷鸣闪电般地攫住听众的心。她不但掌握了无懈可击、炉火纯青的惊人技巧，而且气势磅礴，高难度的乐段在她指下宛如等闲，令人难以相信这些力量发自一个身材不过五尺四寸的长发女子。她是一位领导钢琴技巧与美感风格的大师。

这张专辑是小提琴家希拉里·哈恩演奏巴赫《第一、二奏鸣曲》、《第一组曲》。1997年，当哈恩17岁时，录制了著名的唱片处女作，巴赫无伴奏小提琴组曲的《第二、三组曲》和《第三奏鸣曲》。2018年，38岁的她发行了这张专辑，完成了这部伟大作品的另一半。虽然哈恩演奏巴赫的方式有了许多改变，但她对巴赫充满运动气息的表达始终如一。 巴赫为独奏小提琴而作的奏鸣曲与组曲一共6首，BWV1001-1006，大约作于1720年。这6首奏鸣曲与组曲，巴赫设计了小提琴表达所能演奏的一切和弦，使用了几乎不可能演奏的对位技巧。它们构成了巴赫小提琴音乐的最高峰巅。在巴赫之后，小提琴无伴奏奏鸣曲很少有人再创作，是因为再也无法逾越这座峰巅。这6首无伴奏奏鸣曲与组曲，第一、三、五为奏鸣曲，二、四、六为组曲，据推测，乃为当时克滕宫廷乐团的小提琴演奏家约瑟夫·史比斯所作。

这张专辑收录了十四首高水平的录音。包括丹麦国宝级爵士歌后席娜·艾格（Sinne Eeg）、德国实力派爵士女歌手史帝芬妮·博兹（Stefanie Boltz）、爵士歌后汉娜·鲍儿（Hanne Boel）、日本发烧爵士女歌手绫户智惠（Chie Ayado）、三盲鼠猛将山本刚（Tsuyoshi Yamamoto）的最新现场录音、靓声歌后席梦·卡麦儿（Simone Kopajer）、爱尔兰发烧天后玛莉·黑（Mary Black）、俄国斯爵士女歌手亚历珊卓·夏姬娜（Alexandra Shakina）、哈里·艾伦（Harry Allen）、肯·佩普洛夫斯基（Ken Peplowski）、史考特·汉弥顿（Scott Hamilton）三位顶尖次中音萨克斯风手组成的梦幻组合，最后以法籍西班牙裔低音提琴大师贾西亚范斯（Renaud Garcia-Fons）悠扬浪漫的《Tavalod》画下完美句点。全片以音响最爱的女声为主，爵士与世界音乐各种类型俱全、丰富多样，14首作品，首首精彩，全方位测试你的音响器材，首首动听，试机必备。

这套合辑是匈牙利伟大的钢琴家盖扎·安达担任独奏并指挥萨尔兹堡音乐院室内乐团，演奏莫扎特《钢琴协奏曲》的全集录音。这套唱片是安达晚年的录音，边演奏边指挥，已然炉火纯青。作为莫扎特的诠释者代表人物，安达已经把莫扎特的音乐融入其生命之中。安达是比较早录制莫扎特钢琴协奏曲全集的钢琴家，他认为莫扎特的《钢琴协奏曲》是一套完美的艺术系统。他演奏莫扎特的风格明净朴素，就像每天面对的书房里的玻璃窗一样。安达的演奏结合了精湛的技巧与歌唱般的旋律，分句有如人声，富特文格勒称他是“钢琴的吟唱诗人”。

这张专辑收录由Ingrid Haebler、Ludwig Hoffmann、Jorg Demus、Paul Badura-Skoda演奏的莫扎特钢琴二重奏录音，肯定是这些欢快而富有感染力的钢琴作品最令人愉快的录音之一。这些作品充满了可爱的曲调、华丽的构思和发人深省的主题。这是一些罕见的作品，即使是不“喜欢”古典音乐的人也会乐意欣赏，但其复杂程度是如此之高，即使是高深的音乐家也能完全被迷住。专辑的录音干净明亮，没有一丝生硬，其音效让听者觉得自己就像坐在钢琴旁边。 钢琴的二重奏的表演形式可以分成两类：较早出现的一种形式是钢琴四手联弹，这种形式是指两位演奏者在同一架钢琴上演奏；另一种其后出现的是双钢琴的演奏形式，便是指两位演奏者分别弹奏一架钢琴来完成一首作品。四手联弹的出现刚开始是为了适应教学的需要，在教学过程中，学生遇到难点就单手或双手弹奏比较容易的段落，然后由教师弹奏比较复杂的段落。1756年，莫扎特写过一封信：“在伦敦，沃尔夫冈为四手联弹写了一首奏鸣曲，我敢保证，在此之前，没有人这样做过。”在《牛津简明音乐词典》中也说到“钢琴二重奏的辉煌始于莫扎特”。由此可以证明，钢琴二重奏的出现是由莫扎特开始的。 《D大调双钢琴奏鸣曲》K448，作于1781年的维也纳。据称莫扎特在教授约瑟华钢琴期间，两人产生过一段隐蔽的爱情。这部作品正是莫扎特为了与约瑟华一同演奏而精心准备的。在当天音乐会后，莫扎特对其父亲说：“我们十分成功地一起演奏了这部新的奏鸣曲。”再看莫扎特创作这部作品的几年时间里，莫扎特经历了丧母的悲伤、与一直欺辱他的大主教决裂等一系列打击，使他痛苦不已。但在这部作品中，却听不到一丝忧伤的情感，而是热情洋溢而又优美的旋律。 莫扎特总体的音乐风格也是田园的、世俗的、孩子气的、幽默的、迂回的、乐观的、诙谐的。同样这部作品也是贯穿以这样的风格特点。 这部作品是莫扎特唯一的一部双钢琴作品。既然是双钢琴，所以两架钢琴的配合就变得尤为重要了。在这部作品中，两架钢琴的关系并不是单纯的伴奏与被伴奏的关系，而是两者相互对答，相互竟奏的关系，很像歌剧中二重唱的感觉。 因此，两架钢琴在演奏时必须注意演奏风格、音量、音色、力度、速度得统一。

这张专辑是意大利指挥家卡罗·马里亚·朱里尼的录音精选辑。参与演奏的乐团：爱乐乐团、芝加哥交响乐团、巴伐利亚广播交响乐团、都灵广播交响乐团、维也纳交响乐团。 卡罗·马里亚·朱里尼（Carlo Maria Giulini，1914年5月9日-2005年6月14日）意大利指挥家，20世纪重要的指挥大师之一。朱里尼的指挥风格优美而华贵，注重细部的体现，又不失完整性。强劲处有如排山倒海，细婉时又好似潺溪回环，幽韵谐婉，让人感到情真意蕴，贴切自然；由此，得到了“一位有着贵族气质的杰出指挥家”的美誉——他以追求高雅的气质、细腻的旋律线条刻划和严谨的结构勾勒为特色；他指挥的管弦乐大都呈现出很高贵的表情，而对歌剧的处理可能更优于管弦乐。 唱片中最早的录音是1956年录制的斯特拉文斯基和比才的作品。爱乐乐团的情绪显得非常高昂，节奏富于变化，音色温暖而充满活力。两首曲子都是在金斯威音乐厅里录制的。另一首由爱乐乐团录制的曲目是马勒改编的舒曼《第3交响曲》，录音时间是1958年。同样，那种清澈、温暖的音色，也正是那时乐团录音的典型音色。在Abbey路录音室的那些录音，还要优于在金斯威音乐厅的录音。 《坦克雷迪序曲》录制于1964年。这些录音在很长时间都是作为EMI录音室里罗西尼序曲集的一部分。如果你聆听了这个录音，你就会感觉这就是所需要的那种诠释，并且富于朱里尼歌剧风格的特质。从过去从未发行过的录音角度来看，这是这个系列录音中最优秀的之一。因此，我们能够有机会更多地了解指挥家的艺术思想，而不是重复听一些过去已经发行的录音。 芝加哥交响乐团演奏的贝多芬《第7交响曲》是典型的大西洋彼岸的风格：宏大有力的铜管加上朱里尼在慢板乐章中一些自然活泼的诠释，但确实把舞曲中的精髓带给了听众。