02. Debussy Serenade for the Dol

这张专辑是德国著名指挥家弗里茨·布什的录音精选辑。参与演奏的乐团：丹麦国家广播交响乐团、伦敦爱乐乐团。录音地点：1936年伦敦、1947-1951年哥本哈根。 弗里茨·布什（Fritz Busch，1890年3月13日-1951年9月14日）德国指挥家，20世纪重要的指挥家之一。 布什是小提琴家阿道夫和大提琴家赫尔曼的兄弟，他在20世纪头20年德国的歌剧界脱颖而出，一举成名，并且还是德国威尔第复兴的主要倡导者。在1933年受到纳粹排挤被迫离开德累斯顿后，布什前往布宜诺斯艾利斯、哥本哈根，以及英国和瑞典工作。他在北美和南美度过了战时岁月，接着又在纽约大都会歌剧院执棒4年，于1950年返回格林德波恩 ，并携作品参加了爱丁堡的新音乐节。 这张专辑令人满意的曲目汇编代表了布什的指挥艺术。两首序曲抓住了歌剧院的戏剧艺术效果。勃拉姆斯的作品提醒我们，布什离作曲家本人其实只是一步之遥，因为他的老师是勃拉姆斯极为喜爱的指挥家斯坦贝克。门德尔松和莫扎特的音乐在他的手中大放异彩，海顿的作品散发着室内乐的欢乐和亲密的情绪。专辑以激情四射的《唐璜》结束，该录音是战前所录，充分展示了在那个遥远的年代伦敦爱乐乐团所具有的实力。 评论家认为布什的影响力体现在两个时期：在科隆学习的那段时期，以及此后在柏林德波恩的那段时期。约翰·普瑞查德经常提起他，他曾是布什的左膀右臂。布什以他的幽默、谦逊、真诚而享誉盛名，这些品质在这张珍贵的录音版本中清晰可辨。布什还是个深受乐团成员爱戴的指挥，如果一个指挥能达到这一点，那剩下的事情就相对简单多了。

这张专辑是著名小提琴家拉宾演奏的帕格尼尼《24首随想曲》，是一张评价很高的录音。大多数人以为24首是炫技性的集“弓弦体操”之大成的作品，而拉宾的这个录音，使人恍然明白24首原来是那位曾经倾倒几代人的小提琴魔术师的极富性情之作。拉宾是用整个心情在拉琴，琴声与众不同，声音飘然入云，这里有傲视世俗的风骨，有奔放不羁的豪迈，有刻骨铭心的苦痛，以及刁钻古怪的精灵念头。具有人所不及的深广之息。

这张专辑是女中音歌唱家贝娜达·芬克与钢琴家罗杰·维格罗里斯合作，演唱舒曼的艺术歌曲。 舒曼的艺术歌曲继承和发展了舒伯特歌曲创作的传统，使歌曲的表现手法更为灵活、思想更加深刻，不仅强调表达歌词的总情绪，更强调心理变化细节，反映了德国浪漫主义音乐的基本特征和他的创作个性。舒曼几乎所有的音乐都在表现内心的感受，重视情感在歌曲中的表现。他歌曲的旋律婉转流畅，多以宽广舒缓的曲线进行，充满了幻想色彩。他的歌曲选词严谨，所选的歌词都出自著名的诗人笔下，且诗词也极具浪漫主义特点。舒曼歌曲中的钢琴伴奏极其突出，提高了钢琴伴奏的地位，突破了以往只作伴奏的功能，实现了词、曲、钢琴伴奏三者合一，被誉为“将浪漫主义音乐风格发挥到极致”的音乐伟人。 从来没有作曲家像舒曼那样，作品可以按照婚前、婚后来划分。克拉拉始终是舒曼的灵魂人物，他的缪斯、他的主宰。1840年9月，经过漫长的苦恋和争斗，在法庭的支持下，舒曼终于克服其钢琴老师维克的阻挠，与克拉拉结为连理。这一年被称为他的“歌曲年”。新婚的甜蜜，加上被老丈人维克刺激，一向散漫的舒曼才华井喷，忽然成了高产作曲家。婚姻像信仰一般将从前的风流浪子变成了一个忠诚的丈夫，并且塑造了一位全能型作曲家。婚前，从1830-1840年，舒曼主要写钢琴曲；婚后，从1840到1854年被送入精神病院之间，他尝试各种声乐和器乐曲类型。 那一年，舒曼写了138首歌曲，还有声乐套曲《诗人之恋》、《a小调钢琴协奏曲》、《幻想曲》、歌曲集《桃金娘》。《桃金娘》是献给克拉拉的结婚礼物。在《哈利·波特》里面，桃金娘是一个总是在哭泣的鬼魂，一个小说人物，其实桃金娘是一种植物，它的花朵有白色紫色，精巧朴素很好看。因为这首歌，结婚的时候克拉拉特意挑选了用桃金娘花枝编织的新娘花冠。这些歌曲选了吕克特的诗句，共26首，如今流传甚广的有《献词》和德奥民歌风味的《胡桃木》。

这张专辑收录了钢琴家李赫特演奏舒伯特的三部《钢琴奏鸣曲》，1979年3月31日在伦敦皇家节日音乐厅的录音。李赫特演奏的舒伯特，琴声如同丝绸一般拂过，舒伯特独特的曲调，在李赫特指尖流露出强烈的冥想气质，没有人知道他是怎么做到的，这种演奏方法可谓前无古人后无来者。 李赫特演奏中散发出的那种“生活在另外一个世界中，那世界只有他一个人能进去”的强烈个人化色彩，带了几分神秘主义，而调子几乎是灰色的，背景是黑色的。李赫特的舒伯特是苍茫孤高意境，充满了演奏者个人的孤独感。从忠实作者原意的角度看，李赫特对舒伯特是一种悖逆反叛，但从创新发挥角度看李赫特又是对舒伯特的钢琴奏鸣曲文本的一个自我阐释，他将舒伯特钢琴作品中那种轻灵风致抽去，剩下的是一个处于茫茫大地向死而生的孤独灵魂，李赫特的演绎仿佛就是为亡灵弹奏。 《B大调钢琴奏鸣曲》D575，作于1817年。此曲不但结构完整（四个乐章）、形式完美，而且构思严谨、旋律抒情优美、调性自由、富于个性。 《f小调钢琴奏鸣曲》D625，作于1818年。原稿只有三个乐章(无慢板乐章)，即“快板”、“谐谑曲”、“快板”，音乐色彩忧郁、情感动人而富于动力。这里李赫特演奏的慢板乐章取自D505。 《A大调钢琴奏鸣曲》D664，作于1819年。此曲是一首广泛流传经常演奏的奏鸣曲，也为三乐章，但乐曲清新明朗、抒情优美，旋律流畅，结构精炼，其中宁静沉思的行板乐章尤为精彩。

这张专辑是美籍古巴钢琴家博列特演奏李斯特的11首著名钢琴作品。具有“钢琴魔术师”之称的李斯特，留下了很多足以体现出其精湛技巧的作品。从这超过100个乐曲之中，既选择了技巧性的《Etudesd'execution transcendante》两曲、也选择了对拉威尔等具有影响的《Les Jeux D'Eaux A La Villa D'Este》、还有瑰丽编曲的《Erkonig》和《La Campanella》、以及抒情小品《Un Sospiro》和《Liebestaume》No.3等。钢琴演奏由被称为浪漫乐派钢琴演奏家的最后代表、李斯特的最后传人之称的博列特演奏，他的演奏是抒情与狂想的很好结合，对于李斯特的作品演绎得恰到好处。

这张专辑是大提琴家卡萨尔斯1936-1939年演奏巴赫的6部《无伴奏大提琴组曲》录音。演奏巴赫这六部《无伴奏组曲》，最富于启示性的也是最早的权威版本，当然是卡萨尔斯1930年代后期的这个录音。这些组曲曾被相当多的音乐家演绎，卡萨尔斯的浑厚有力，富尼埃的舒展如歌，罗斯特罗波维奇轻盈而显得匆忙，初听上去简直就象不同的作品。卡萨尔斯的录于1930年代（1936年至1939年）大师刚过了60岁之后。我一向怀疑四十年代和之前的所谓历史录音，认为无论上一代大师们的演奏如何精彩，但毕竟录音技术有限，很难保留真实的演奏的音响。如果把罗斯特罗波维奇的演奏看作一幅色彩斑谰的油画。卡萨尔斯就是早先古朴的铜版画，线条坚实挺劲，具有难以想象的力度，像是凸现于整个画面之上的线条，一旦在你面前显出须眉皆动而欲飞舞之状时，真是要令人心魄俱醉。巴赫的精神，在这里始终是回荡在音乐的空间之中，而不是从中沁出来。

这套专辑收录了传奇钢琴家布鲁斯·亨格福德的代表性演奏录音，包括贝多芬的“悲怆”、“月光”、“暴风雨”、“黎明”等8部钢琴奏鸣曲、第四钢琴协奏曲、舒伯特的奏鸣曲和幻想曲以及勃拉姆斯、肖邦的几首作品。 早逝的澳大利亚钢琴家Bruce Hungerford演奏的8首贝多芬钢琴奏鸣曲，我原本是提不起兴趣的，因为我完全不了解他，而且我也不相信澳大利亚能出什么大师，因为那里实在缺乏深厚的土壤。然而哥们提醒我说，他是Ignaz Friedman的弟子，这让我一震，因为我是知道大神弗里德曼确实很早就移居澳洲了，记得我当时点开这套录音，《悲怆》与《月光》实在是被演奏太多的曲目，我感觉Bruce Hungerford的演奏非常的快速而且精确，是德奥风格的演出，但是总觉得缺少了一些感情，过于冷峻了。 然而这一印象在《暴风雨》中完全打破了，他的音色开始变暖，开始充满感情。《华尔斯坦》里，他的开头依然弹的飞快而且结构清晰，与古尔达的风格完全一致，从第二乐章开始，音色又再次转暖，充满感情。我逐渐明白，他是一位技巧无懈可击，强调对比，而且非常注重乐曲架构的钢琴家。于是我开始听他的最后三首钢琴奏鸣曲，我知道这是真正的试金石。 当时听罢，我已知道，这是可以与鲁道夫塞尔金，威廉肯普夫，弗里德里希古尔达一个级别的贝多芬演奏大师，而且他的情感不是耽溺出来的，而是倾泻出来的，用一种完美的技巧来表达的。在贝多芬晚期最完美的几个慢板里，他缓缓弹出了深沉的意味，这是总结性的演出，这是晚期贝多芬想说的话，他竟都懂了。

这张专辑是大提琴家麦斯基与钢琴家吉利洛夫合作，在阿尔卑斯山脚下、景色如画的埃尔莫城堡里，演奏俄罗斯浪漫主义作曲家的声乐作品。麦斯基深情的诠释带我们回到了他辽阔又迷人的故乡，仿佛是一次俄罗斯农庄曼妙无比的烛光晚宴。两位音乐家无懈可击的音乐感性及丰富而色彩缤纷的演奏，给听者带来极美的享受。

这套合辑是莱因斯多夫指挥皇家爱乐乐团，演奏莫扎特的41部交响曲。在这套莱因斯多夫演绎的作品中，音乐的神韵与声音的魅力是紧密相连的，而对节奏完美的无条件关注永远不会以牺牲自由的听觉为代价。在这方面，莱因斯多夫划时代的莫扎特交响曲录音仍然是新鲜的和永恒的，即使对今天的听众也是如此。 莱因斯多夫在指挥莫扎特时最关心的是清晰，换句话说，他费尽心思通过声音这一媒介把乐谱的内容传达给听众的理解。在表面上“毫无疑问”的早期交响乐中的主要路线，特别是在交响乐的开场乐章中。第29交响曲K201(186a)，从不主张独断的摇摆，而是在琴弦的纹理中占据首位，从而确保半透明的声音画面，反过来允许听众获得启发的见解，进入作曲家的形式结构、和声发展。与此同时，莱因斯多夫揭示了一个良好发展的乐句音乐特征的感觉。以《第一交响曲》的快板为例。第27交响曲K199(161b)，正如第一个主题是清晰而明确的，第二个主题是温柔、活泼甚至轻快的。每个短乐句都有自己的内在生命。 重复的乐段总是被省略，也许反映了当时的惯例，或许也因为LP唱片的时间限制，莱因斯多夫通常会缩减莫扎特的交响曲的时长，从《F大调第一部交响曲》中可以清楚地看到。《第18交响曲》K130，在早期的作品中，长笛具有色彩的功能，用它们自己的旋律线来填充背景而不是干扰音乐的行进。这种色彩缤纷的声音写在Andantino grazioso中有一种独特的美，在拨奏低音和柔和的小提琴背景下展开。与此同时，当莱因斯多夫想要制造出一种富丽堂皇的、近乎歌剧般的声音时，他也毫不犹豫，就像在《巴黎》第一号交响曲中那样。《第31交响曲》K297(300)，演奏使用了长笛、双簧管、单簧管、巴松管、小号和定音鼓，莫扎特自豪地指出，这是他第一次使用单簧管的交响曲。在莱因斯多夫的诠释中，作曲家的自豪感几乎是显而易见的，这种诠释的特点是对作品音调的纯粹喜悦。

这张唱片是大提琴家麦斯基与钢琴家阿格丽奇合作，演奏贝多芬的三部《大提琴奏鸣曲》。两位音乐大师在演奏中相辅相成、琴瑟和谐，在乐曲的展开过程中心灵相通、默契如一。他们演奏的歌唱性特别好，乐器的音色极为美妙。聆听这张唱片，他们高超的演奏技巧和丰富的内心交流，让人难以忘怀。 《A大调第三大提琴奏鸣曲》，作品69，作于1807年。此曲是贝多芬五首大提琴奏鸣曲中，名声最大的一首。 第一乐章，从容的快板，A大调，奏鸣曲式。大提琴的抒情性在第一主题中充分展现。 第二乐章，谐谑曲，很快的快板，a小调。 第三乐章，如歌的慢板，转活泼的快板。两件乐器的对位产生了如歌的主题，紧接的快板是标准的奏鸣曲式。 《G大调第四大提琴奏鸣曲》，作品102第一首，作于1815年。此曲结构极其自由，由5部分构成，是单一乐章形式的幻想曲风格。乐曲有时表达抑郁，有时表达苦笑，有时表达幽默，是贝多芬晚期作品的开端。 第一乐章以行板开始，由大提琴占据首要位置，接着乐曲的节奏加快，变成活泼的快板，旋律棱角分明，体现出贝多芬耿直、永不妥协的个性。 第二乐章，引子过后，乐曲短暂的回顾了第一乐章行板的旋律。接着的快板，是短小精悍的奏鸣曲式。发展部之前，大提琴奏出的五度和声，几次被钢琴乐句打断，扰乱了乐章的和声走向，制造出一种出人意料的效果。 《D大调第五大提琴奏鸣曲》，作品102第二首，作于1815年。此曲各乐章中使用的对位、末乐章中使用的赋格方法，都达到炉火纯青的地步，这是五首大提琴奏鸣曲的巅峰之作。 第一乐章，开始的快板明快爽朗，开门见山的进入第一主题，紧跟着是表现幅度更大的第二主题。 诗意盎然的第二乐章，是所有五首奏鸣曲中唯一的慢板乐章。第一部分和第三部分的主题，是钢琴和大提琴之间的一段对话；第二部分则是另一段对话，两件乐器在摇摆的伴奏音型陪衬下，细腻缠绵的对唱。乐曲不间断的进入末乐章，这是一首雄健的三声部赋格，到乐章过半时，出现一段温柔的旋律，与之前的赋格对比强烈，但稍纵即逝，很快又被赋格取代。