A05. Clumsy Beats

这套7CD专辑收录了英国作曲家戴留斯的管弦乐团与合唱作品，由比彻姆爵士指挥皇家爱乐乐团、伦敦爱乐乐团演奏。 弗雷德里克·戴留斯（Frederick Delius,1862—1934）英国作曲家。他的创作受法国音乐影响，具有晚期浪漫主义和印象主义风格，与德彪西的音乐有相似之处，作品多描述自然景色，抒发对大自然的感受。戴留斯创作的音乐中常用全音音阶以及紧张变化、平行的和声进行，配器色彩纯净透明、音响丰满，音乐情绪热情洋溢。如歌剧《乡村的罗密欧与朱丽叶》的间奏曲《漫步天堂乐园》就是其中一例精美绝伦的作品。

这张专辑收录了乔治·博列特的演奏录音，包括李斯特创作和改编的作品。博列特对钢琴的观点是柔顺、丰富的音色结合清楚阐释作品结构的能力，让音乐的细节全盘透明化。不过，这样的概念与欣赏博列特在Decca录制的李斯特作品印象有些分歧，而博列特在世界著名音乐厅舞台上的演出，特别是现场演奏李斯特作品时，比录音更重视塑造音乐气氛。博列特在唱片上的表现比起现场演出较为克制，就如博列特所言，现场演出时，他所诠释音乐会更加自由无束且具自发性。虽然对博列特而言，轻松与严谨并非不能共存，但是博列特有时候会重视李斯特音乐中的技巧展现更基于诗意也是公认的事实，有时候他的音乐会因为纵容技巧而完全失去诗意。

这张专辑是大提琴家斯塔克与钢琴家左奇·西波克合作，演奏肖邦、德彪西、门德尔松的大提琴作品。 肖邦《g小调大提琴奏鸣曲》作品65，作于1846-1847年间。肖邦唯一的这首大提琴奏鸣曲翻覆着纷杂而深暗的潜流，反映出他哀愤交加的心绪。熟识了阴柔的肖邦或刚健的肖邦，初听这首曲子会在旋律晦涩、技法不丰的感觉下快速将它遗忘；但只要领会了那份悲情，就能清晰感受到他在人生最低谷时的苦闷况味。乐曲一开篇就笼罩了孤清暗影，在钢琴的简短引奏下，大提琴怀着沉郁之情怅叹而来，他就像天涯过客，回望沧桑前尘、感喟无常聚散；情缘何解、迷梦难消，心头拍击着狂野巨浪、淹缠着荒漫忧伤；这昏沉的哀叹延绵着，始终在一种病态的涡流中苦苦挣扎，直到最后一刻也没能解脱。第二章是迷乱的梦境，时而迸射出狂热光芒，忽又沉溺于痴想；在矛盾与渴盼中交混着苍白的柔情，给人留下虚萎不实的印象。慢板弥漫了无边哀愁，是一曲孤寂的挽歌，目送残阳、挥手人生，繁华落尽、秋心独倚；虽有一丝暖意，终不奈幽幽惆怅与苍凉。终章是消沉和振奋的碰撞：呼吸中仍翻转着恼人忧郁，激情却焕然而起；流火般在黑暗中闪耀，将烈焰投向颓靡与哀怆；愁情在它感染下裂茧而出，抛却了伤泣、抖擞神行；音乐在激奋跳荡中斩截而收，骨力坚劲、气势雄健。 德彪西《d小调第一大提琴奏鸣曲》，作于1915年。这是他与身体的病魔和精神的苦恼斗争中，完成的独特而新颖的奏鸣曲，此曲燃烧着巨人般强烈的求生意志与澎湃的热忱，表现出独特的奋斗精神。有人说这首作品受到舒曼的直接影响，但在此曲中所欲表现的灵性则是更加直接地流露，具有简洁纯净的美感，与鲜明的色彩对比。此曲使两个世纪以来，彷徨停滞的法国器乐传统以新的姿态与生命复活起来，同时它也成为二十世纪大提琴文献中具有独特风格的作品。

这张专辑是台湾钢琴家林佳静，演奏肖邦、德彪西、舒曼、福雷、格里格、柴科夫斯基等创作的夜曲作品。夜曲，顾名思义是比较安静，让人放松的旋律，夜曲表现了如梦一般的甜蜜和欢乐，似夜一样的寂静和安祥。纯粹以享受音乐的心情聆听这张专辑，整个音乐张力是充足的，可以很清楚地想象林佳静演奏时的动态感，手放在琴键上弹奏的样子，非常有画面感，林佳静将每首乐曲的每颗音用最细腻的手法奏出，让音符更为纯净透明，旋律线条更绵密，音乐性更为生动。乐曲的和声色彩也最丰富、饱满。 这张专辑可以展现林佳静的演奏实力。林佳静演奏速度上的掌握颇有深度，浪漫当中有着矜持，小心翼翼地呵护着每一个乐句，表情处理得细腻。越是熟悉“夜曲”，越是能感受到林佳静下了多少功夫去琢磨每一次触键。

这是克劳迪奥·阿巴多继1988年指挥新年音乐会来，第二次登台。1991年的阿巴多风华正茂，正处于事业的巅峰。大师对圆舞曲的处理非常富有激情。在这次新年音乐会上，共上演19首作品，其中，舒伯特、莫扎特、罗西尼的作品首次亮相维也纳新年音乐会。 阿巴多有他自己的个性，这种个性从他的选曲中就能看到。这一年的维也纳新年音乐会破天荒地选择了四位非施特劳斯家族的作曲家的作品。并不是说非施特劳斯家族的作曲家就不该出现在维也纳新年音乐会上，而是如此之多的作曲家客观上冲淡了施特劳斯家族的主导地位。而这也成了当时对这一年音乐会批评声的主流。 但不得不承认，这一年的非施特劳斯家族作曲家的作品还都选得恰如其分。开场的焦阿吉诺·罗西尼的《贼鹊序曲》活泼可爱，与维也纳新年音乐会的气氛也相得益彰。这首作品在舞台的两个方向分别放置了两面小鼓，通过轮流敲击营造出鼓声左右跳跃的立体空间效果，从而表现了“贼鹊”精巧灵动的行动特点。不光是小鼓的设计，木管乐组不同乐器之间的应答也衬托出了“贼鹊”不安分的特点。而弗朗茨·舒伯特和沃尔夫冈·莫扎特的舞曲作品也都短小精悍、诙谐幽默，尤其是舒伯特的两首舞曲被重新配器，将沙龙音乐搬上了殿堂。莫扎特的《德国舞曲“滑雪橇”》中，阿巴多同样通过分布在舞台不同方向的雪橇铃营造出了四周雪橇滑过的场景，这与之前《贼鹊序曲》的效果异曲同工。弗朗茨·兰纳的《求婚者圆舞曲》也与施特劳斯家族的圆舞曲非常相似，听起来并不突兀。因而，虽然在这一年中非施特劳斯家族作曲家的作品分量有所增加，但那些新作品却也都生动活泼地烘托了节日的气氛。

这张专辑是钢琴家布赫宾德演奏巴赫《第三英国组曲》、贝多芬《第23钢琴奏鸣曲》、舒曼《交响练习曲》。这是布赫宾德2004年7月在萨尔茨堡音乐节的现场演奏录音。布赫宾德的演奏以《热情奏鸣曲》为中心，并加入巴赫《英国组曲》和舒曼的作品，表现出同样高度的技巧和思想。 巴赫《g小调第三英国组曲》BWV 808，约作于1720-1722年，由六首舞曲组成：前奏曲、阿勒曼德、库朗特、萨拉班德、加沃特、基格。每段都优美如歌，其中加沃特舞曲被引用得最多，可以说是史上最动人的舞曲。这部组曲的所有乐思都跟G的小三和弦有关，它的原位是前奏曲的最初几个音符；它的倒影是阿勒曼德的最初几个音；它的转位形式是库朗特等舞曲的旋律骨干；加伏特是这母题的逆行后再倒影；基格把前奏曲的轮廓线音阶化；萨拉班德的骨干音则是它的移位。 贝多芬《f小调第二十三钢琴奏鸣曲》作品57，作于1806年，是贝多芬中期创作的杰作之一。由于此曲前后两个乐章有如暴风雨般万钧之势，充满激情的斗志和英雄的气概，出版商给与了《热情奏鸣曲》的别名，流传至今。1789年法国资产阶级革命和莱茵河流域反封建运动对贝多芬的思想极有影响，自由、平等、博爱成为了他追求的理想目标。《热情奏鸣曲》在反映这一社会现实，表现社会矛盾冲突方面达到了前所未有的深度和广度，同时在结构扩展、语汇创新和布局丰富诸方面也极大地推动了钢琴奏鸣曲体裁的发展。《热情奏鸣曲》不仅是贝多芬最有代表性的杰作，也是钢琴音乐史中占有最高峰的经典。 舒曼《交响练习曲》作品13，作于1834年。此曲是舒曼具有代表性的作品之一。其场面宏伟、气势磅礴，显露了他不凡的才华。这是他婚前的代表作，同时也是一次实验性极强的创作。此曲音乐元素丰富、旋律悦耳、技术难度高，可说是代表了当时钢琴技巧的最高水平，也是以后许多钢琴家爱不释手的珍品。

这张专辑是小提琴家阿卡多与意大利室乐团合作，演奏皮亚佐拉的几部作品。 《遗忘》（Oblivion）是皮亚佐拉在1984年创作的，是流传最广、最著名的探戈作品之一。此曲专为意大利导演马尔科·贝洛奇奥的电影《亨利四世》所作。电影取材于意大利戏剧家路易吉·皮兰德娄在1921年创作的同名剧作。贝洛奇奥邀请皮亚佐拉为这部电影写曲子，于是在电影中的关键情节中多次出现了《遗忘》的旋律。1993年，皮亚佐拉去世之后的第二年，《遗忘》荣获格莱美“最佳器乐作曲奖”提名。尽管没有最终获奖，但并不妨碍这首探戈在听众心中的位置。 皮亚佐拉用最朴素、最简洁的音乐语言表现出了内心最深处的厚重、深沉、和细腻的情感，把人们带到了灵魂的深处。极尽的缠绵、淡淡的无奈，让人无法遗忘。在这凄美的绚丽背后，是一种跋山涉水推云拨雾之后内心的淡定和从容。缓慢、忧伤、哀愁、笃定，这一切可以从作品中抽取出来的感性词汇，实际上是皮亚佐拉通过这首作品留给世人一个无限大的想象空间。

这套合辑收录了钢琴大师鲁宾斯坦演奏的肖邦钢琴作品，他的演奏是全世界最具有代表性的，与肖邦一样，两人的演奏中都洋溢着独特的波兰国家民族文化精神，但是说到两人的演奏风格，也存在不同之处。肖邦本人的演奏风格有着病态和神经质的消极情绪，但是鲁宾斯坦的演奏有着独特的高贵典雅的特点。 鲁宾斯坦的演奏有一种仿佛来自于内心，来自于世界的自然，其独特的演奏技巧使得作品演奏与原作品紧紧结合在一起，极富创造力又不失原作品的情感色彩。他的演奏更多体现的是人文主义精神中重要的人性光芒，更能感动聆听者。

这个录音将小酒馆那种烟雾弥漫的气氛、乐手尽兴愉快的表演情形活生生的表现出来。因为爵士乐之迷人在于活生感、现场感以及歌手即兴富有亲和力的表演，很容易让现场聆听者的情绪陷入HIGT的境界，尤其是Take Five时间。“Take Five”是爵士乐里的特有名词，在属于大乐团的时代里，乐手为了出头就得自己争取Solo（独奏）的机会，借以引起大家注意，那最简单的方法是什么呢？就是利用整个乐团表演告一段落，团长宣布“休息五分钟”的时候来大显身手。其中《当铺爵士》系列就可说是Take Five最有名的唱片，这里的“Take Five”节奏明快，几个乐手轮翻上阵，钢琴飙起来让人不自觉的打拍子，把这宝贵的五分钟利用的相当彻底。

这套9CD全辑是钢琴家布赫宾德演奏贝多芬的32部钢琴奏鸣曲，这是他在萨尔兹堡音乐节的现场演奏录音。没有做作、没有失控，没有刻意而为的斧凿之痕，这是最具亲和力的贝多芬演奏。音乐超越了音响条件的局限。“发自内心、抵达内心。” 从头至尾，最让人感动的是大师在技术的高度熟稔和音乐表达的清新自然这二者间达到的堪称完美的平衡。早期奏鸣曲的清新感以及贝多芬的即兴和幻想色彩，在布赫宾德的维也纳式音色中体现为最本真的表达，有时让人自然地想到以伟大的即兴大师著称于当时的贝多芬本人——事实上，在很多时刻心甘情愿地闭上眼睛，完全放任自己的思绪和情感穿越时空，到二百多年前的维也纳，相信听到的就是贝多芬大师本人的演奏。有些为贝多芬早期钢琴创作所独具的效果，如《田园》末乐章尾声的风笛式低音，十六分音符的颗粒感与分量感是以高度考究的精湛手法弹奏的。 在《热情》中，布赫宾德敏锐的风格感使他极为得体地加强音色的分量和表情饱和度，但即使在技术上最棘手的段落，包括那些低音区的深沉咆哮，音乐的内在流动感也丝毫未受影响。听这样的音乐，你不能不慨叹像凯泽这样的评论大家的独到眼光。他慨叹：布赫宾德最大的与众不同，在于他的演奏彻底远离浮华，而这是演奏贝多芬的作品，尤其是他的后期作品常难以彻底避免的现象。 济慈在他的《希腊古瓮颂》结尾有这样的诗句：“美即真，真即美。”而这是极难达到的境界。太美的东西常是需要牺牲真实方能得到的。而在布赫宾德的演奏中，这二者以如此自然的方式达到了统一。