A05. Brahms Piano Sonata Op.5 - 5. Finale

这张专辑收录了尼基塔·马加洛夫的演奏录音，包括海顿、肖邦、李斯特、舒曼的钢琴独奏作品。尼基塔·马加洛夫（Nikita Magaloff，1912-1992）俄裔瑞士钢琴家。1912年出生于圣彼得堡，1992年于瑞士威伟市过世。其家族在俄国大革命后逃往芬兰定居，后来又迁徙到法国。少年尼基塔在巴黎音乐学院求教于伊西朵尔·菲力普，十七岁时赢得首奖和拉威尔亲自颁发的褒扬状，后来他还跟随普罗科菲耶夫学习作曲。其演奏生涯的足迹遍及全球最首屈一指的演奏厅，和萨尔兹堡、爱丁堡、柏林、苏黎世和洛桑等著名音乐节。在亚历山大·布赖洛夫斯基之后，他是首位演奏肖邦钢琴作品全集的钢琴家。从1949到1960年，他接替李帕蒂在日内瓦音乐学院开授大师班，接着在西恩那和塔奥米那开班授课。他为飞利浦唱片公司灌录了许多唱片，特别是他最喜欢的作曲家肖邦的作品。和岳父约瑟夫.西盖蒂合作演出时，他是一位著名的室内乐演奏家。后来入籍瑞士的马加洛夫，是一位具备“高贵的技巧、无误的准确和品味”的演奏家。

这张专辑收录了桑松·弗朗索瓦的演奏录音，包括肖邦、莫扎特、巴赫、德彪西、拉威尔的钢琴独奏作品。弗朗索瓦所演奏的肖邦的不同作品风格迥异。《即兴曲》的演奏是那样的生动和鲜明，飘逸而富有表现力，staccato（断奏）的运用随心所欲。在Op.36中，他改变了leggiero（轻巧的）的速度；他的《幻想即兴曲》Op.66令人耳目一新，结尾部分完全是marcato（着重的），甚至不用踏板。他自作主张地删去了《第二钢琴奏鸣曲》第一乐章的重复段，八年后当他第二次录制这部作品时依然如此。这两个版本听起来惊人地相似，不过这个早先的录音在音色上圆润和丰满，流畅而清晰，技巧的表现也更为出色。他对于四首圆舞曲的演奏各有千秋，虽然听上去略显的老旧感，但就某种程度而言这正是那个时代法国学派的演奏风格。弗朗索瓦运用他非凡的技艺使《叙事曲》听上去是如此的令人不可思议，Op.23和Op.38他通过浓烈情感色彩来体现agitato（激动）和presto con fuoco（热情的急板）。相反，在后两曲中他表现得却是那样的平静和安祥。 在演奏他最擅长的德彪西的作品时，弗朗索瓦几乎难寻对手。他的老师Marquerite Long是德彪西的挚友，同时也是一位福雷作品的倡导者和诸多作品的首演者，手把手地将其演出的心得教给他。当提及德彪西时，他说：“我想没有人会比他更能制造梦幻，他能捕捉到镜子中一切虚幻的东西。”在他《L'isle joyeuse》或《Clair de Lune》的录音中，你能感到他的这种理解。弗朗索瓦对于Pour le piano中的托卡塔的演奏可谓登峰造极，技巧上无懈可击，乐曲的表达自始至终令人迷醉不已。他演奏的福雷作品同样色彩缤纷、优美且不缺乏力度。 当然，作为大师，舒曼的托卡塔应该在他的曲目范围内。然而，在本世纪五十年代，很少有法国演奏家去尝试普罗科菲耶夫的作品。除了浪漫主义的作品，拉威尔和普罗科菲耶夫也是弗朗索瓦的最爱。他在美国首演了的普罗科菲耶夫《第五钢琴协奏曲》，也许他想借此与他最敬仰的霍洛维兹比肩，他录制了这位俄罗斯作曲家的《托卡塔》和《第七钢琴奏鸣曲》。

这张专辑收录了罗莎琳·杜蕾克的演奏录音，包括巴赫的键盘独奏作品。1973年在纽约卡内基音乐厅里，杜蕾克第一次在大键琴上演奏《哥德堡变奏曲》而且得到空前的成功，休息时间过后，她又在钢琴上重复弹奏这部作品。不过由于钢琴丰富的色彩以及对位平稳明晰的声音，杜蕾克还是以钢琴演奏的版本最著名，而且是键盘演奏史上重要的里程碑。1957年在伦敦演奏《哥德堡变奏曲》后，一个乐评人写道：“杜蕾克小姐多样性的触键相当不可思议，活泼的节奏与分句让纯正主义观点，即，只有大键琴才能再现巴赫变得毫无意义。她能够随心所欲地弹出大键琴、古钢琴的音色。她的节奏冲劲让地道的对位在音乐中自然浮现。” 在处理以钢琴或大键琴来演奏巴赫作品的问题上，杜蕾克这样驳斥那些大力主张巴赫还不知道有钢琴这个乐器存在的人。“巴赫是否知道钢琴存在的根本问题，”她这样写：“很明显已经有西尔伯曼钢琴公司贩卖钢琴给布兰茨基伯爵的收据这个历史文献提供答案。这份历史文件的内容已经说明是巴赫真迹的签名，日期是1749年5月，莱比锡，表示这椿买卖是由巴赫办理。” 然而巴赫的钢琴作品不是只有简单的美感或风格合宜与否的问题。如同杜蕾克所指出，“《哥德堡变奏曲》在整个十九世纪都被认为无法在钢琴上演奏，因为音乐里有太多复音以及(演奏者)型体上的问题，因为当时认为双手在键盘上是不可能交替演奏的，布索尼因而重新修订这部作品。用布索尼的话来解释他的意图是最好的：‘为了挽救这部极为优秀的作品在音乐厅里的命运，缩短全曲或重新释义好让听众能够接受、演奏者能够弹奏是相当必要的。在这个版本里，乐曲后半部的建议是尽量一开始就忽略反复记号。附带说明，经过考虑后，我认为省去其中几段变段是最适合对一般大众演出的方法。’所以布索尼建议在音乐会中省略十段变奏，其中有七段是卡农，由此打破全曲的架构与卡农的旨趣。他也建议使用一些简化、添加与扩展后的技巧，布索尼都是遵循巴赫的版本变更，然而不幸的是，有时候布索尼会往没有指示的地方让谱上的主题合并，这是布索尼，不是巴赫。布索尼的观点广为后代所采用与宣传，这是巴赫作品失真的背景原由之一，反对这种作法的音乐家都努力地想以更明确的想法接近巴赫。”

这张专辑收录了利奥波德·戈多夫斯基的演奏录音，包括肖邦、舒曼、贝多芬等的钢琴作品。 利奥波德·戈多夫斯基（Leopold Godowsky，1870年-1938年）犹太血统俄裔美国钢琴家、作曲家、教师。据一些资料上说，戈多夫斯基的手很小，他的技巧并不是那种辉煌无比，令人眼花缭乱的超技类型，他令人昏厥的技巧是高度的手指独立性，这个需要艰苦磨练的技术，在戈多夫斯基的身上可谓浑然天成。因此在演奏他自己改编的肖邦练习曲中，就能发挥出令人不可思议的效果：在他的改编练习曲中，占了绝大多数都把原作中的右手部分移去左手演奏，而且经常有左手独奏的版本，这个情况下，光是一只手就必须演奏两个甚至多个声部，不但需要十分完美的改写，还需要很好的手指独立性，这样才能使手指在几个声部的演奏中不缠在一起。

这张专辑是旺德指挥科隆广播交响乐团，演奏布鲁克纳的《第一交响曲》，1981年11月7日在德国科隆的录音。这是布鲁克纳《第一交响曲》的第二版，也称维也纳版，是布鲁克纳1890-1891年间在维也纳修订而成的。Carragan教授在1998年对第一版和第二版进行比较，这两个版本总谱的差别，在前三个乐章中差别不是很大，比方说增加或减少一个小节，但在第四乐章则在配器和音乐行进等方面存在许多不同。 德国指挥大师君特·旺德（Gunter Wand）以其对布鲁克纳作品的深刻理解和精湛演绎而闻名。他指挥的布鲁克纳《第一交响曲》是其代表性的录音之一，展现了他对这部作品的独到见解和高超技艺。 这个录音版本体现了旺德对布鲁克纳音乐风格的深刻理解。他注重展现作品中复杂而多样的节奏变化，以及布鲁克纳特有的管弦乐色彩。在第一乐章中，旺德通过精准的节奏控制和清晰的音色层次，成功地表现了作品的戏剧性和紧张感。同时，他也在柔板乐章中展现了布鲁克纳音乐中的抒情特质，使乐迷能够感受到作品中深沉的情感。

这张专辑收录了弗拉基米尔·索弗罗尼茨基的演奏录音，包括肖邦、斯克里亚宾的钢琴独奏作品。 索弗罗尼茨基的风格非常适合演奏肖邦，圆润的音色、自由无束的节奏感与弹性分句让他的诠释更具说服力。他处理肖邦的音乐相当自由，音乐中兼含有阳刚的气魄及诗情，升C小调波兰舞曲的录音正是最好的例证。肖邦三首圆舞曲也可以证明索弗罗尼茨基音乐中的内省要素，而马祖卡舞曲录音或可称为索弗罗尼茨基演奏肖邦音乐的最高成就：节奏灵活而富有马祖卡舞曲所该有的弹性。肖邦的音乐语言对他来说几乎像是浑然天成般的自然。总而言之，索弗罗尼茨基弹奏的肖邦带有个人特色，旋律如同在说话一般。 索弗罗尼茨基是诠释斯克里亚宾钢琴作品最杰出的钢琴家，他能够完全掌握住斯克里亚宾音乐里的独特性。有些爱乐者则承认自己对斯克里亚宾的作品毫无感觉，直到听过索弗罗尼茨基的诠释后才豁然开朗。虽然过去有人形容索弗罗尼茨基的演出完全出自自发的即兴，但是他的音乐概念仍然十分清晰而且有逻辑性，索弗罗尼茨基相当注意乐曲细节，因此音乐听来格外引人注意。在他的《第三钢琴奏鸣曲》录音里，只需要聆听慢板乐章就能明白以上的描述：自由的节奏、美丽的音色、优美的旋律线条与内在声部，造就出一个催眠般的情感意境。在第二乐章的中间乐段，索弗罗尼茨基弹出他人难以仿效的宏亮声响，三拍子在双手间不规则地柔和律动着。形容索弗罗尼茨基如何演奏斯克里亚宾实在有太多形容词了：“自由”、“即兴”、“梦一般的朦胧”、“幻想”都是一般最常见的形容词，而这些语句非常适于形容他所弹奏的《第二钢琴奏鸣曲》第一乐章。在这套专辑收录的录音里，《第二钢琴奏鸣曲》有最即兴的演出，无论是在逻辑或预期效果上，索弗罗尼茨基的演出都与乐曲的标题“奏鸣曲-幻想曲”十分贴切。

这张专辑是波兰钢琴家拉法尔·布雷哈驰演奏德彪西、齐玛诺夫斯基的钢琴作品。这一次，布雷哈驰演奏了20世纪早期的法国和波兰音乐，将德彪西的印象派作品与布雷哈驰的同胞齐玛诺夫斯基的表现主义作品相结合。布雷哈驰对正在进行的关于德彪西作品是否印象派的音乐学讨论并不真正感兴趣。他更倾向于寻找德彪西这样的印象派作曲家，鉴于莫扎特、贝多芬和肖邦所取得的成就，他从古典主义中借鉴了结构上的优点，并将其发扬光大，他能够把所有这些转化成一种音乐现代主义的语言。这就是为什么布雷哈驰把德彪西称为“颜色之王”。布雷哈驰非常喜爱齐玛诺夫斯基的作品，在这张专辑中他演奏了1905年的《c小调前奏曲和赋格曲》以及1904年的《奏鸣曲》，这是为了纪念齐玛诺夫斯基，同时也向肖邦、德国浪漫主义传统以及斯克里亚宾的遗产致敬。 除了肖邦，齐玛诺夫斯基是波兰最具代表性的作曲家，甚至被誉为“现代波兰音乐之父”。十九世纪末开始，波兰文艺界出现了以浪漫主义和民族解放为理念，力求创新的“青年波兰派”，其中，齐玛诺夫斯基就是作曲界的代表人物。一般音乐学者把齐玛诺夫斯基的创作分成三个时期，第一时期的作品受到肖邦、斯克里亚宾的影响；第二时期则因为常在国外旅行，大量接触德彪西与拉威尔，也成为齐玛诺夫斯基这段时期的主要风格。第三时期则是表现波兰的民族性，齐玛诺夫斯基直接从波兰民间音乐汲取精华，创作出新的生命力，形成自己的音乐风格。 波兰钢琴家布雷哈驰录制过两张肖邦作品专辑后，很自然把目标转向齐玛诺夫斯基，以及影响齐马诺夫斯基甚多的德彪西。这是布雷哈驰第一次录制齐玛诺夫斯基的作品，《第一钢琴奏鸣曲》是齐玛诺夫斯基早期的创作，乐曲风格结合了从贝多芬古典乐派到斯克里亚宾的表现手法。 在布雷哈驰心目中，德彪西可说是钢琴音乐的“色彩之王”。谱写于1903年的《版画》共有三首小曲，但是创作构思分别表现中国、西班牙以及法国三个完全不同国家的特色；组曲《为钢琴而做》则是以二十世纪的手法，表现巴洛克时期器乐曲里，最常出现的前奏曲萨拉邦德舞曲与托卡塔。《快乐岛》的灵感来自罗浮宫的名画《航向希提拉岛》，传说中爱神维纳斯居住的地方。 布雷哈驰的演奏具有现代年轻一代音乐家中少见的个性，而且带有优雅、细腻与诗意，并且兼具有庄严气质以及适度的华美，传达出音乐中纯粹的魔力。

这套7CD专辑收录了英国作曲家戴留斯的管弦乐团与合唱作品，由比彻姆爵士指挥皇家爱乐乐团、伦敦爱乐乐团演奏。 弗雷德里克·戴留斯（Frederick Delius,1862—1934）英国作曲家。他的创作受法国音乐影响，具有晚期浪漫主义和印象主义风格，与德彪西的音乐有相似之处，作品多描述自然景色，抒发对大自然的感受。戴留斯创作的音乐中常用全音音阶以及紧张变化、平行的和声进行，配器色彩纯净透明、音响丰满，音乐情绪热情洋溢。如歌剧《乡村的罗密欧与朱丽叶》的间奏曲《漫步天堂乐园》就是其中一例精美绝伦的作品。

这张专辑是中提琴家巴什梅特与钢琴家米哈伊尔·蒙坦合作，演奏浪漫派作曲大师舒伯特、舒曼、布鲁赫、埃奈斯库创作的室内乐作品。巴什梅特与蒙坦的演奏非常默契、极其完美，获得《日本唱片艺术》特选。巴什梅特是当代中提琴家的唯一代言人，你可以在当世小提琴家中选择穆特或帕尔曼、大提琴家选马友友或梅斯基，而中提琴，只有巴什梅特才是你的最佳选择。巴什梅特这个名字得到过太多荣誉，百年来第一位登上斯卡拉剧院、阿姆斯特丹皇家音乐厅的中提琴独奏家，格莱美奖历史上唯一获奖的中提琴家，十数位当代著名作曲家为他题献自己的作品……他被喻为“中提琴界的帕格尼尼”。 在这张汇集浪漫派大师佳作的唱片中，巴什梅特的琴音醇厚迷人，他的舒伯特营造出让人为之动容的“大师气场”；他的舒曼使得几位大提琴大师的相同曲目名版录音都光辉暗淡！还有他的布鲁赫，他的埃奈斯库，无不让人叹服、令人沉醉。

这张专辑是德国曼德林弦乐四重奏团演奏舒伯特两部《弦乐四重奏》的录音。 《g小调第九弦乐四重奏》D173，作于1815年春。舒伯特仅用了八天时间完成，整部作品的基调是抒情风格加上哀怨气氛，体现了舒伯特现实生活中的不幸和挫折，同时又充满着振奋不屈的精神。其“含着泪水微笑”的意境闪现出前辈莫扎特和贝多芬同类型作品的影子。 《G大调第十五弦乐四重奏》D887，完成于1826年，是舒伯特最后一首弦乐四重奏。这部作品一改舒伯特惯常的忧郁抒怀的情调，风格雄伟浩荡、气宇轩昂，运用古典主义美学表达出了高昂的浪漫主义激情、热情的活力和坚强的意志，呈现出大无畏的英雄气概。作品除了成熟的创作思想外，创作技法也可谓炉火纯青、光彩夺目，完美地继承了贝多芬的精神，达到了舒伯特弦乐四重奏创作的最高峰。