08. Bloch Simchas Torah From Baal Shem

这张专辑是伯恩斯坦指挥纽约爱乐乐团，演奏马勒《第二交响曲“复活”》的现场录音。获得日本《唱片艺术》推荐。“复活”与第三、第四交响曲，被认为是“少年魔角”三部曲，也是马勒第一部加有声乐的交响曲，附有女高音、女低音以及混声合唱。又是一个被打败的例子。“巨人”时，阿巴多三连霸的美梦被伯恩斯坦打碎，没想到连“复活”都有困难。当然伯恩斯坦会得奖不是没有道理的。他彻底将马勒热情生涯一以贯之，这个第三次“复活”录音，算是他对马勒的总决算。其中将感情激烈投入，具有强烈说服力。合唱部分也表现精彩。 《c小调第二交响曲》作于1894年。因为末乐章使用德国诗人克洛普施托克的诗作《复活》，故别名《复活交响曲》。此曲是以编制庞大和演奏难度而著称的马勒十部交响乐作品之一，也可以说是马勒的优秀代表性作品之一。事实上，马勒费了很长的时间和精力，为终章寻找适当的歌词，思考它的音乐和结构，他曾博览群书，细读整本圣经，后来他崇拜的指挥家毕罗去世，马勒前往汉堡参加葬礼，在安息礼拜中聆听到克罗斯托克作词的《复活颂歌》，深受感动，并决定拿这诗篇写作第二交响曲的终乐章。至于第二、三、四等三个乐章，则以间奏曲的感觉创作，因此，全曲的重心也就在首尾两个乐章上。

这是克劳迪奥·阿巴多继1988年指挥新年音乐会来，第二次登台。1991年的阿巴多风华正茂，正处于事业的巅峰。大师对圆舞曲的处理非常富有激情。在这次新年音乐会上，共上演19首作品，其中，舒伯特、莫扎特、罗西尼的作品首次亮相维也纳新年音乐会。 阿巴多有他自己的个性，这种个性从他的选曲中就能看到。这一年的维也纳新年音乐会破天荒地选择了四位非施特劳斯家族的作曲家的作品。并不是说非施特劳斯家族的作曲家就不该出现在维也纳新年音乐会上，而是如此之多的作曲家客观上冲淡了施特劳斯家族的主导地位。而这也成了当时对这一年音乐会批评声的主流。 但不得不承认，这一年的非施特劳斯家族作曲家的作品还都选得恰如其分。开场的焦阿吉诺·罗西尼的《贼鹊序曲》活泼可爱，与维也纳新年音乐会的气氛也相得益彰。这首作品在舞台的两个方向分别放置了两面小鼓，通过轮流敲击营造出鼓声左右跳跃的立体空间效果，从而表现了“贼鹊”精巧灵动的行动特点。不光是小鼓的设计，木管乐组不同乐器之间的应答也衬托出了“贼鹊”不安分的特点。而弗朗茨·舒伯特和沃尔夫冈·莫扎特的舞曲作品也都短小精悍、诙谐幽默，尤其是舒伯特的两首舞曲被重新配器，将沙龙音乐搬上了殿堂。莫扎特的《德国舞曲“滑雪橇”》中，阿巴多同样通过分布在舞台不同方向的雪橇铃营造出了四周雪橇滑过的场景，这与之前《贼鹊序曲》的效果异曲同工。弗朗茨·兰纳的《求婚者圆舞曲》也与施特劳斯家族的圆舞曲非常相似，听起来并不突兀。因而，虽然在这一年中非施特劳斯家族作曲家的作品分量有所增加，但那些新作品却也都生动活泼地烘托了节日的气氛。

这张专辑收录了阿姆斯特丹皇家音乐厅管弦乐团在阿姆斯特丹音乐厅的代表性录音：1、由海廷克指挥演奏的理查·施特劳斯《阿尔卑斯交响曲》、贝多芬《埃格蒙特序曲》、舒曼《降E大调第三交响曲“莱茵”》第一乐章、马勒《G大调第四交响曲》第四乐章；2、由多拉蒂指挥演奏的斯美塔那《我的祖国》第二乐章《沃尔塔瓦河》；3、由钢琴家达维多维奇演奏、雅尔维指挥的圣-桑《g小调第二钢琴协奏曲》第一乐章。 阿姆斯特丹音乐厅（Concertgebouw Amsterdam）位于荷兰阿姆斯特丹。由于对建筑声学的高度重视，因此与波士顿交响乐大厅、维也纳金色大厅一同被视为是世界上最佳的音乐厅。音乐厅的建筑师为阿道尔夫·理查德·凡·亨特（Adolf Leonard van Gendt），其灵感来自于两年前建造的莱比锡新布商大厦（NeueGewandhaus，毁于1943年）。1883年，音乐厅开始动工，地点位于当时阿姆斯特丹市外新阿姆斯特尔的一片牧草地。 阿姆斯特丹音乐厅是世界上最优秀的音乐建筑物之一，它是音响效果突出的音乐殿堂。在建造音乐厅的年代，声学被视为某种“黑魔法”。设计者是根据在过去尚未了解的科学（即使在今日依旧没有完全了解）来绘制。音乐厅完工之后，由于声学的表现不佳，因而投入大量心力去微调听觉氛围。在之后的整修工程中，会特别去注意不要修改过去内部装潢所使用的素材。1980年代，在发现音乐厅正在缓慢下沉后，开始筹措资金以进行更新。音乐厅扩建工程的建筑师由Pi De Bruijn担任。 阿姆斯特丹皇家音乐厅管弦乐团（Royal Concertgebouw Orchestra）这支令无数爱乐者眼睛发亮的“古董乐团”位列世界十大管弦乐团之一。在现任首席指挥马里斯·杨松斯之前，乐团已经走过了四位大师的时代，每一次接力棒的交接几乎都会创造一项新的纪录，使乐团的地位与声望不断飙升。1988年，乐团在纪念一百周年活动中被封为“皇家”的称号，以示其地位之尊。可以说，享誉世界的荷兰阿姆斯特丹皇家音乐厅管弦乐团是久经历练的“百年老团”，是环绕着“皇家”光环的音乐使者，更是享誉世界的“音乐梦之队”。 阿姆斯特丹皇家音乐厅管弦乐团演奏音色优美，独奏部分赏心悦目，那“天鹅绒般的弦乐”、“金质的铜管”和“最具典型荷兰特色的木管”，将为乐迷呈现“风车王国”的独特情韵。

这张专辑是维也纳少年合唱团的合唱曲精选，收录了《鳟鱼》、《夜莺》、《皇帝圆舞曲》等多首无比优美的世界名曲，或忧伤浪漫、或悠扬婉转、或淋漓酣畅……无不尽显维也纳少年合唱团的深厚功底和不凡演绎，洋溢着音乐之都独特气质的歌声，能使您在享受音乐的同时，不知不觉地得到艺术的熏陶。被太多浮躁充斥而更显物质化的现实生活需要维也纳少年合唱团的快乐之音，这就是本专辑的珍贵所在。专辑演唱、录音水平一流。 名闻遐迩的维也纳少年合唱团成立于1498年，是一个具有辉煌历史的世界著名音乐团体，是曾培养过莫扎特、海顿、舒伯特及近代大指挥家汉斯·李斯特、克莱门特·克劳斯等音乐奇才的摇篮。该团长期以来一直与维也纳爱乐乐团共同享受着“奥地利两大国宝”的美誉。在过去的六百年间，该团更是精彩演绎了许多不同时代不同作曲家的作品。

这张专辑是西班牙指挥家阿根塔与伦敦交响乐团、瑞士罗曼德管弦乐团合作的演奏录音。这是阿根塔逝世前一年于伦敦金士威厅及日内瓦维多利亚厅录制的传奇录音。灿烂华丽的管弦乐、分明的层次与惊人的动态曾令乐迷大为惊艳，阿根塔熟力四射的手法亦令人赞叹。另值得一提的是两录音厅声学条件的差异亦然清楚无隐，考究两者间的差异是音响迷赏乐之外的另一重乐趣。 夏布里耶的《西班牙》轻快宜人，里姆斯基-科萨科夫的《西班牙狂想曲》演奏出色，且不失敏锐、色彩与活力。录音师完美捕捉惊人的打击乐，即使至今其效果仍令人赞叹。莫斯科夫斯基的《西班牙舞曲集》，具有令人怀念的老录音质感，而其充满活生感且色彩瑰丽的演奏于今仍给人无比欢愉的感受。 这套录音绝对是珍稀之作，阿根塔指挥西班牙主题作品的这张录音无疑是色彩艳丽到爆表的逸品，也堪称是大录音师威尔金森的毕生得意之作；即使退而求其次，拿平价版用阳春音响播放，也可以轻易呈现它鲜活的生命力，感受蜕变后的伦敦交响乐团发得如此媚热之声，煞是过瘾。或许现在很多好录音能解析到如此细腻而宽广的规模，却不见得能嗅得出音乐精神面的那股“战力”，而这正是阿根塔独一无二之处。

这张专辑是新潮合奏团演奏布索尼的几部室内乐作品。 费卢西奥·布索尼（Ferruccio Busoni，1866年4月1日－1924年7月27日），他博学多才，是作曲家、剧作家、钢琴家、指挥家，同时也是教师、哲学家、美学家和批评家。布索尼是一个理想主义者，当音乐语言经历剧变时，他穷其一生都在追求个性化的声音。作为一个国际主义者和思想开明的人，他推动了许多在他死后得以实现的音乐发展。 单单从这些来看，难以理解为什么这样一位二十世纪早期的伟大音乐家现在没有受到应有的重视。限制了他知名度的其中一个原因也许是他的伟大成就无法被安置在任何一个特定的国家传统中。布索尼同时代人有西贝柳斯和尼尔森（Nielsen），这两位音乐家的作品紧紧地和他们的祖国联系在一起，而布索尼则更像一个世界公民。布索尼出生于1866年的佛罗伦萨，在的里亚斯特（Trieste）长大，接着去维也纳、格拉茨和莱比锡求学，随后在一些城市任教，比如赫尔辛基、莫斯科和纽约。此后，布索尼主要居住在柏林，在第一次世界大战期间他暂时离开德国去了纽约、博洛尼亚和苏黎世。从本质上来说，布索尼音乐作品的构成具有德国和意大利的双重气质，这在音乐领域里是独一无二的。

这张专辑是旺德指挥北德广播交响乐团，演奏贝多芬《第一、六交响曲》。汪德的指挥架构在流动性的音乐行进上，在稳健中散发处处精妙，音乐不会流于死板或沉闷。旺德忠于贝多芬原谱的指挥特性，这个录音也成为见证他毕生七十年指挥艺术的终极代表作。除了汪德本人的指挥艺术，北德广播交响乐团、录音师在平衡上的拿捏、音色表现的细腻等，都让此录音成为爱乐者不可或缺的经典名盘。 《C大调第一交响曲》作品21，作于1794至1796年。此曲整体风格沿袭了前辈莫扎特、海顿的很多音乐元素，幽默通俗又带有舞蹈性。某些部分的旋律激昂，某些部分充满了欢乐的喜剧性，轻松诙谐，展现了舞蹈性的主题。此曲的和声手法、浓重的管弦乐笔法，呈示部结尾处的定音鼓，第三乐章中行进级攀登的曲调、疾快的速度、突然的转调，恶作剧式的休止符，这一切都处处隐伏着未来贝多芬的所有因素。 《F大调第六交响曲“田园”》作品68，完成于1808年。此曲是贝多芬少数的各乐章均有标题的作品之一，也是他九首交响乐作品中标题性最为明确的一部。此时的贝多芬双耳已经完全失聪，这部作品正表现了他在这种情况下对大自然的依恋之情，是一部体现回忆的作品。这部作品1808年在维也纳首演，由贝多芬亲自指挥，在首演节目单上，他写到：“乡村生活的回忆，写情多于写景”。整部作品细腻动人、朴实无华、宁静而安逸，与贝多芬的《c小调第五交响曲》同为世界上最受欢迎的交响曲之一。

这张专辑是希拉里·哈恩1997年发行的，是她的首张专辑。哈恩曾说，她演奏巴赫的作品比任何其他作曲家的作品为多，并说自己从8岁起每天都拉奏巴赫的小提琴独奏曲。在这张专辑里，她说巴赫的作品是“保持自己演奏真诚的试金石”。哈恩的演奏优雅而精致，举手投足都是成熟音乐家的气质。她的技术精湛、音色完美、呼吸自如，她的右手不仅独特，简直是神乎其技。她演奏的爆发力十足却轻巧无比的压弦，不仅可以制造出那样精美的声音，还可以将音色上的变化与声部的转换结合起来，这确实是难得听到的巴赫经典诠释。

这套9CD合辑是美艺三重奏演奏的海顿全部《钢琴三重奏》作品。当这套专辑最终完成时，获得了几乎全世界的赞誉，包括留声机1979年的“年度最佳唱片奖”。美艺三重奏的演奏自始至终都是出类拔萃的、充满活力的、精致的，对丰富多样的音乐有着敏锐的反应。九张唱片中的六张超过一个小时，包含了丰富而辉煌的音乐，大部分的演奏都是非常恰当的，录音也温暖和精致，这是一套可以一辈子聆听的曲目。 这是第一个和唯一的海顿钢琴三重奏全集，被《留声机》编辑认为是有史以来100个最伟大的录音之一。获得“企鹅三星带花”、“留声机唱片大奖”等殊荣。 《企鹅激光唱片指南》：我们通常不可能称赞一套唱片是“经典”的，但这套唱片可以用这些词语来描述，因为美艺三重奏的演奏，当之无愧享有音乐界最高的荣誉……这是一套海顿爱好者都不能错过的音乐，如果你一人流落荒岛，有这套音乐陪伴足矣。 海顿的钢琴三重奏值得更多的关注。正如音乐爱好者所知，这些作品与他的交响乐和弦乐四重奏一样令人满意，而且数量众多。然而，它们并不是我们现在所理解的真正的三位一体。从本质上讲，海顿将小提琴奏鸣曲的小提琴和钢琴部分加入了大提琴部分，增强了当代钢琴的低音。这并没有以任何方式抑制音乐的质量，但它阻止了现代钢琴三重奏的发展，因为大提琴家通常想做一些更令人兴奋的事情。所有人都称赞美艺三重奏，因为他们理解，音乐品质比器乐演奏更重要。

这张专辑收录了大提琴家皮埃尔·富尼埃演奏的三部作品的历史录音：1、与钢琴家巴克豪斯合作，演奏勃拉姆斯《第一、二大提琴奏鸣曲》，1955年5月1-3日在日内瓦维多利亚音乐厅的录音，这是巴克豪斯所留下的极少数的珍贵室内乐录音之一；2、与钢琴家Ernest Lush合作，演奏巴赫《G大调奏鸣曲》。 音乐大师贝多芬的五首大提琴奏鸣曲堪称音乐史上的里程碑。受其影响和启发，勃拉姆斯也创作了两首《大提琴奏鸣曲》，但是创作年代却相隔了二十多年。第一首奏鸣曲多有室内乐风格，以较低的音区表现沉郁凄苦之情；第二首则具有戏剧性和交响乐写作手法，有较多的高音区明亮音色，具备明朗热情的性格。两首作品均美不胜收，以直入人心的旋律和细腻的感情表达成为具有深远影响的室内乐精品。 《e小调第一大提琴奏鸣曲》作品38，完成于1865年，其时勃拉姆斯正经历丧母之痛。太多的哀恸与忧郁，难言的心思愁绪，以及回忆中的欢笑与相聚等等，均以一把大提琴和一架钢琴之间绵绵不尽的对话展开，成就了这首三个乐章均为小调的、气息宽广朴实动人的佳作。 《F大调第二大提琴奏鸣曲》作品99，与《第二小提琴奏鸣曲》同时完成于1886年，瑞士托恩湖畔。此时五十岁开外的勃拉姆斯已经完成了四首交响曲，具备更完善的创作技巧和更成熟的思想境界，正处于创作顶峰期。这首奏鸣曲篇幅长大、结构复杂、乐句宽广，乐思充满欢乐与伤感等多重意味，成为勃拉姆斯的力作之一。 巴赫为甘巴琴所作的《G大调奏鸣曲》BWV1027，是巴赫在克滕时期（1717-1723）在克滕宫廷为甘巴演奏家阿贝尔创作的三首奏鸣曲的第一首。此曲极具巴洛克时期典型的音乐风格，音乐上非常质朴却富有哲理。巴赫运用了大量复调创作手法，使两件乐器在旋律上交相呼应，处于平等的位置，展现了各声部的不同情感表达。