意大利歌剧

这张专辑收录了内田光子的演奏录音，包括莫扎特、德彪西、勋伯格的钢琴作品。 内田光子（Mitsuko Uchida，1948年12月20日-）日裔英国钢琴家。她的演奏风格着重表达内心而非炫人的技巧，以诠释莫扎特作品闻名，被公认为“莫扎特专家”。从1980年开始，内田光子灌录的莫扎特钢琴奏鸣曲集便受到相当高度的瞩目，并且屡次赢得多项专业唱片评鉴的肯定。 内田光子的风格强烈但是又不曾矫枉过正，也没有忽略莫扎特乐里的浪漫精神，《狩猎》奏鸣曲就是最好的例子。在这部奏鸣曲中，内田光子重视主题发音清晰的程度远超过柔美的音色或技巧表现，《b小调慢板》也不会过份沉重与严肃。内田光子与晚年的阿劳一样，他们都在不减损丰富表情的前题下，让音乐平顺流畅而且单纯的歌唱着。不过，这套专辑最受瞩目的应该是莫扎特在1787年完成的《a小调回旋曲》。内田光子的演奏严谨清晰而且结构精确，甚至一开始稍嫌平庸的乐段都很有说服力。内田光子在每一小节都弹奏出适合钢琴的灿烂音色，让听过的人永远难以忘怀。这首回旋曲或许可说是从施纳贝尔1946年的录音以来最动人的演出。 《朱侬》钢琴协奏曲是莫扎特二十一岁(1777年1月)为法国女钢琴家拜访萨尔兹堡而写作品，也是内田光子1990年莫扎特系列最后几首协奏曲的录音。协奏曲的录音效果确实与独奏曲一样令人神魂颠倒而且具说服力。它的色彩与气氛相当丰富，独奏部份有如空气般的轻盈飘逸，演出精湛完美而且有一统性。在泰特充分配合内田光子演奏内涵的指挥陪衬下，这些特色都得以确实发挥。 其它作曲家方面，内田光子最辉煌的成果或许该算是1989年录制的德彪西十二首练习曲。这十二首练习曲平均分成上下两册，根据训练目的而冠上《为五只手指》、《为第三只手指》、《为和弦》等标题，曲风接近车尔尼、肖邦的练习曲。内田光子对乐曲的理解几乎是个奇迹。阿劳曾说，任何诠释最基本的是要赋予乐曲的结构意义，然后再根据这个架构来发挥。就我所感，这十二首练习曲从来没有被弹得像内田光子的诠释般高超精确而且易如反掌。随着表面上轻松自如的音乐，内田光子以她独一无二的见解，带出作品每一个主题、乐句的“内在价值”。这部德彪西成熟时期的作品常被弹得过度“抽象”、吃力与笨拙，甚至许多著名钢琴家的录音都是如此。在内田光子手中，她以自然雅致的变化为作品带来新生命。

有人说：一旦喜欢上古典音乐，你就找到了自己一生中，除了爱人之外的另一个终生伴侣，每个城市都需要不同的音乐来抚慰心灵，古典融入现代，音乐融入生活。

这张专辑是伯恩斯坦指挥维也纳爱乐乐团，演奏马勒《第五交响曲》。获得日本《唱片艺术》推荐。 一般将马勒的第五、六、七交响曲这三部看成同一组，终乐章的回旋曲式是马勒第一次在交响曲中使用，乐曲内涵表达了哀痛、忧郁、豁达、释怀、憧憬等情绪。也许很多人会对卡拉扬抱不平，但是只要听过伯恩斯坦的诠释就会发觉，卡拉扬棒下的马勒第五，美则美矣，却缺乏一份深刻的精神表现。伯恩斯坦与维也纳爱乐乐团的合奏完成度并不输卡拉扬与柏林爱乐，而且不论是第一、二乐章的激情，或是第四乐章的抒情，都能将他的马勒精神注入。 《升c小调第五交响曲》作于1901至1902年。同马勒此前所作的四部交响曲相比，第五交响曲重新确立了纯器乐创作的道路，作品中没有运用任何声乐因素。同时各个乐章间的联系更多地依靠音乐自身逻辑的发展，而不是音乐之外的标题因素。不过正如马勒所有的交响曲一样，内在的标题性内容还是存在的，只不过更加趋向于抽象化。马勒本人曾说：“我的音乐永远都是大自然的声音。”马勒是从浪漫主义的、诗意的角度来理解“自然”的，萦绕于他脑际的是生命与死亡、大地与宇宙这些宏大而深沉的概念。

这张专辑是小提琴大师梅纽因与意大利指挥家Alberto Erede率领的皇家爱乐乐团合作，演奏帕格尼尼《第一、二小提琴协奏曲》。 梅纽因演绎的帕格尼尼《小提琴协奏曲》在技巧上是登峰造极的，音粒饱满、节奏稳定适中、左手拨弦铿锵响亮，自然泛音和人工泛音平滑精准，一些难度很大的双音段落依然可以使用连顿弓来完成，八度跳音几乎没有过多的滑指连接，繁复高难而精湛纯熟得无可挑剔，情感转换细腻大方、音乐表现一气呵成、淋漓尽致。这个录音是梅纽因热情似火的技艺展现和雄浑辽阔的音乐处理，更重要的是意大利人骨子里透出的浪漫与热烈情感，引领观众进入帕格尼尼的音乐世界。 《D大调第一小提琴协奏曲》作品6，作于1811至1817年间。帕格尼尼在这部作品中充分运用了他的双泛音、跳弓等独具匠心的高超技巧，此外，就像其他意大利作曲家在他们的作品中所表现的那样，在这部作品中也可以听到许多如歌的美妙旋律。 《b小调第二小提琴协奏曲》作品7，作于1826年，其中第三乐章《钟》极为著名，李斯特的钢琴曲《钟》就根据此乐章主题作成。

七分音符，七分干货，三分甜。在这里畅聊音乐，或是知名的古典作品解读、或是艺术家访谈、亦或是一个人的侃大山。 古人云：“七天、七星、七色、七音，三生万物，逢七必变”，神奇的数字“七”代表着统一与变化的相生关系。“七分音符”看似荒唐，却蕴含着对音乐的解读、释意、品酌与求索。 主播晨曦将用古典音乐的演奏者&评论者&媒体人这三重视角，和你一起领略音乐背后的精彩。

这张专辑是意大利钢琴大师米凯兰杰利与指挥家朱里尼、维也纳交响乐团合作的现场录音，被公认为贝多芬“皇帝”协奏曲史上最具个性与艺术张力的版本之一。专辑封面采用伦勃朗风格的风暴风景画，与“皇帝”协奏曲的史诗感相得益彰。在古典唱片收藏圈中，它是米凯兰杰利与朱里尼的代表作，也是贝多芬协奏曲版本中无法绕过的“必听名盘”。 米凯兰杰利一生录音极少，且对演奏近乎苛刻，这张1979年的现场是他最广为人知的贝多芬协奏曲录音之一。现场的即兴张力、演奏者的临场状态，让这版演绎比录音棚录音更具“活的生命力”，被形容为“最富于刺激性和娱乐性的佳作”。朱里尼的指挥克制而富有歌唱性，维也纳交响乐团的音色温暖厚重，与米凯兰杰利清冷、精准、极具控制力的钢琴音色形成奇妙的平衡。乐团既不喧宾夺主，又能在需要时撑起恢弘的交响骨架，完美衬托钢琴的王者姿态。米凯兰杰利的钢琴音色极具辨识度：高音区清澈如水晶，低音区沉稳而不浑浊，弱音控制更是一绝。尤其是第二乐章，他的触键轻而不虚，营造出一种近乎神圣的宁静感，成为后世乐迷津津乐道的名场面。 《CD天书》评价：米凯兰杰利的演绎真实十分狂放。这位乐坛怪杰，不喜欢在录音室里演奏；但在现场氛围启示之下就创意焕然，光芒四射。不过，他的即兴演奏却不适宜作为经典供奉。同是《皇帝协奏曲》的录音，塞尔金（Serkin）演来是位庄严有钱人情味的乔治第五，而米凯兰杰里却是位洒脱的温莎公爵。故此，当你怀着现场演奏的形象去赏识时，本碟就不失为最富于刺激性和娱乐性的佳作。单听大师神乎其技的指法，已令人心悦诚服了。录音极饱满动听，间中有些超越平衡的木管乐器排众而出，但不足以垢病。 贝多芬《降E大调第五钢琴协奏曲》作品73，作于1809-1811年，是他最后一部钢琴协奏曲，也是古典主义时期最伟大的钢琴协奏曲之一，“皇帝”的昵称并非贝多芬本人所取，而是后世因作品的恢弘气势赋予的美誉。米凯兰杰利以“洁癖式”的演奏风格闻名，他的录音大多是现场或后期剪辑的现场版本，这张专辑完整保留了他演奏中最鲜活、最具张力的一面。朱里尼的指挥以细腻的线条和丰富的情感著称，他与米凯兰杰利的合作被认为是“两种极致克制的艺术碰撞”，乐团的配合精准度在现场录音中堪称典范。

这张专辑是霍洛维兹与指挥大师奥曼迪率领的纽约爱乐乐团合作，在卡内基音乐厅演奏拉赫玛尼诺夫《第三钢琴协奏曲》的现场录音。这是一个传奇性的录音版本。 拉赫玛尼诺夫《第三钢琴协奏曲》，是音乐史上最伟大的钢琴作品之一。在霍洛维兹指下的《第三钢琴协奏曲》，流淌出的既有千里冰川，漫漫林莽的壮丽；又有溪流蜿蜒，百花初绽的秀美。琴声中饱含着他对故乡的挚爱，也弥漫着去国难返的悲伤。第一乐章开始不久，钢琴沉稳引入的那几个小节，分明是大师低低的呢喃：“啊，这是我的祖国。” 与作曲家相同的文化背景和流亡经历，使得霍洛维兹对这部作品有着旁人难以企及的领悟；他凭借高超的演奏能力，游刃有余地演奏这部令多数演奏者望而却步的作品，特别是大师对节奏的把握，让整部作品从容展开，分外动人。同样身为伟大钢琴演奏家的作者拉赫玛尼诺夫，在听过他的演奏后，也由衷地称赞霍洛维兹演奏的《第三钢琴协奏曲》是最完美的。 每次聆听霍洛维兹演奏的这部作品，都会不由得感叹：只有在这样一个幅员广阔、风光多姿的国度，才有可能诞生这种时而厚重、时而轻灵；时而雄壮、时而隽永；时而激越、时而舒缓的动人乐章来。尤其是乐曲中波澜壮阔的宏伟气魄，是其他出生于欧洲的音乐家无法具备的。即便是最具力量的贝多芬，他的气势也只是个人同命运的抗争。霍洛维兹演奏《第三钢琴协奏曲》时所展现出来雄浑的气魄，正是俄国这样一个庞大国家底蕴的真实体现。

这张专辑收录了前苏联伟大钢琴家吉列尔斯演奏的贝多芬三首钢琴奏鸣曲：《“月光”奏鸣曲》、《“悲怆”奏鸣曲》、《第十三钢琴奏鸣曲》。吉列尔斯最后十年所灌录的贝多芬钢琴奏鸣曲，无疑是他个人一生艺术的精华所在，完美的触键和录音让我们更正确地深入贝多芬的世界。吉列尔斯的演奏更充满了光辉的音色和力度，除了完美的技巧外，也灌注了适当的情感。尤其是对《热情》奏鸣曲的演绎可谓空前绝后。

这张专辑收录了钢琴家安达演奏的三部钢琴协奏曲：1、与英国室内乐团合作，自弹自指演奏莫扎特《第16、17钢琴协奏曲》，1968年11月、1975年4月录制；2、与布列兹指挥的BBC交响乐团合作，演奏巴托克《第二钢琴协奏曲》，1973年12月录制。安达演奏的莫扎特协奏曲，结合了精湛的技巧与歌唱般的旋律，分句有如人声。安达被公认为他那个时代巴托克作品的代言人，他演奏的巴托克协奏曲是技术上的简单明了和艺术方面深邃把握的佳作。 莫扎特《D大调第十六钢琴协奏曲》K451，作于1784年3月22日。 莫扎特《G大调第十七钢琴协奏曲》K453，作于1784年4月，6月13日在德普林克的浦雷亚府首演。 巴托克《第二钢琴协奏曲》作品95，完成于1931年。这是一首色彩丰富的炫技作品，它的旋律与节奏显然受匈牙利民歌影响，但钢琴背叛传统的风格，和声极端不和谐。

这张专辑收录了傅聪演奏的肖邦两部钢琴协奏曲。在《第一钢琴协奏曲》中傅聪的处理与众不同，他似乎格外强调肖邦“柔中带刚”中的刚的一面，但这仍然是“柔中带刚”中的刚而非鲁宾斯坦式的“刚中带柔”中的刚，这二者有着本质的区别。傅聪呈献给我们的是一片和风细雨之境，他的音色太漂亮了，清冷雅致的犹如初春的雨露。他好像特别注重浓淡的对比，意态与过渡、轻重与动静都在疾速中转换。特别是钢琴在管弦乐中来回穿插时，傅聪的演奏真是绚丽多彩，钢琴的步伐犹如艺术体操运动员的脚步般轻灵快捷，给音乐表现的意境作出极好的点缀，从另一个方面体味出肖邦这部作品的特有情怀，很有说服力。这张专辑的录音实在是太好了，弦乐非常甜，钢琴声更是美到极点，非常通透。