09. What Are You Doing The Rest Of Your Life

这张专辑是穆特2010年发行的，与她的老搭档钢琴家奥尔基斯合作，演奏勃拉姆斯的三部《小提琴奏鸣曲》。穆特的音乐性、对勃拉姆斯的看法与年轻时明显不同，比起1983年的版本，她的演奏更加成熟、严谨，并且更能掌握勃拉姆斯的音乐语言，她精彩的演绎让你在音符跳跃间，领会勃拉姆斯音乐世界的魅力。

这张专辑是卡拉扬指挥柏林爱乐乐团，演奏普罗科菲耶夫的两部交响曲。卡拉扬演绎的普氏“第五”，真说得上是精神抖擞，意气风发，整个演奏的力度、柔韧性乃至乐队音色都很到位，是此曲唱片的首选。 正如这张唱片上的两首曲子所显示的，普罗科菲耶夫的音乐总是在两种志趣之间徘徊。前一种是传统的，和这位神童的幼年教育，以及对音乐的天真美丽的本能感受相联系。事实上，他26岁那年写的《第一交响曲》，别名就叫“古典”。这几乎就是对莫扎特的模仿，还有海顿、博凯里尼等人的影子。外在地看是模仿，却真正是洋溢着普氏自己的生气勃勃的灵性，丝毫没有模仿之作通常不可避免的空虚、呆板。旋律丰富，节奏明快，朗朗上口，总之，这首《古典交响曲》是非常好听的，也是普氏最受欢迎的作品之一。 普罗科菲耶夫音乐的另一种志趣则大相径庭，而竟是极为现代的，相当先锋的。这也从他年轻时的作品（如《西古提组曲》等）就表现出来了。这首《第五交响曲》是普氏晚年的力作，虽然是致力于表现俄罗斯性格的史诗气概，虽然这勇武旨趣仍属传统的范畴，但其中的精神状态却异常复杂。乐曲的调性变化多端，音响也很现代，甚至打击乐器的使用还相当粗暴。

这套合辑收录了小提琴大师耶胡迪·梅纽因演奏的100首作品，包括巴洛克时期、古典时期、浪漫主义时期直至现代音乐的各种类型作品。 耶胡迪·梅纽因（Yehudi Menuhin，1916－1999），美国小提琴家，犹太人。在他漫长的演奏生涯中，梅纽因演奏几乎囊括从古典到现代的所有小提琴曲目，被称为小提琴音乐“权威的诠释者”。梅纽因1929年首次在德国担任音乐会指挥，著名物理学家爱因斯坦走到后台激动地拥抱他，发出了那句著名的感叹：“现在我知道天堂里有上帝了。”此后定期来到柏林交响乐团担任音乐会指挥。柏林交响乐团指挥埃尔马·魏因加滕今天说：“梅纽因是第二次世界大战结束以后第一位伸出和解之手的伟大的犹太艺术家。” 晚年的梅纽因主要是作为指挥家活跃在舞台上的，但他还同时致力于教育。60年代他在英格兰建立的耶胡迪·梅纽因学校成了天才音乐家的摇篮。

这套10CD合辑是德国管风琴家赫尔姆特·瓦尔哈为了纪念巴赫离世200周年而录制的。在那个年代，要完成这样一个令人惊讶、雄心勃勃的计划需要很大的魄力。这一计划由于日新月异的录音技术发展而多次中断和延期（从早期的胶盘到寿命更长的单声道录音，以及立体声录音）。瓦尔哈对于传统乐器演奏方面具有很强的实力，完全胜任这个录音计划。 其实，第一批录音早在1947年8月份就已完成。那是在刚刚结束的世界大战之后以及货币政策改革之前那段非常艰难的时期进行的，所用的乐器是吕贝克城一架小小的圣－雅克比教堂的管风琴。别看雅克比那里的管风琴教堂建筑虽小，但却是早期德国最为著名的场所之一。这一批录音的成功使大家产生了录制巴赫管风琴作品全集的决定。当然，这并不是试图在吕贝克完成全部的录音，虽然吕贝克管风琴的原始音色非常优美，但年久月深的管风琴踏板会产生很不合谐的声音、短八度音节的表现大打折扣，况且越来越嘈杂的交通噪音干扰使在那里的录音变得更加困难。 后来，在德国北部寻找另外的早期乐器，期间瓦尔哈发现要演奏巴赫键盘练习曲第三部分“较小”的圣咏前奏曲，需要借助跨八度音阶与升C大调所有的半音，而这个任务似乎只有不来梅附近，卡佩尔市的Arp Schnitger管风琴可以胜任。这架管风琴本来是为汉堡的圣－约翰尼斯教堂所造，拿破仑时代（大约1816年）从汉堡调配到这里。经过保罗歌剧院的戈廷根工匠修复，管风琴终于调配到可以演奏的状态。后来，瓦尔哈的录音面世后，这架饱经风霜的管风琴又成为世界闻名的乐器，因此，在1950年6月和1952年9月陆续用卡佩尔的这架管风琴录制和完成了一系列巴赫管风琴作品，而且，原先用鲁贝克管风琴所录制的作品又重新在此录制。 瓦尔哈对巴赫作品的诠释始终如一。无容置疑，瓦尔哈拥有着非常人所能把握的超常音乐感知力，在炫技乐章，年轻的瓦尔哈时而演绎得无拘无束，时而又突出器乐过渡间的人声演绎。这些录音融合了巴赫作品所终生贯穿的艺术与精神精华。与此同时，它们也翻开了录音历史上新的一页，这些始终会与瓦尔哈的名字相连，即使是模拟录音，也无法掩盖瓦尔哈对巴赫的完美演绎。

这张专辑是前苏联指挥家叶夫根尼·穆拉文斯基的录音精选辑。参与演奏的乐团：列宁格勒爱乐乐团。

这张专辑是弗朗西斯科·卡菲索爵士四重奏2006年1月在罗马录制的，由Francesco Cafiso领衔并演奏中音萨克斯、Andrea Pozza演奏钢琴、Aldo Zunino演奏贝斯、Nicola Angelucci担任鼓手。弗朗西斯科·卡菲索（Francesco Cafiso）意大利中音萨克斯演奏家，1989年5月24日出生于西西里岛的维多利亚。他是爵士史上最早熟的人才之一。弗朗西斯科只有九岁那年，他与国际知名音乐家合作迈出了第一步。2002年7月举行的爵士音乐节在佩斯卡拉（Pescara）与温顿·马尔萨里斯（Wynton Marsalis）见面，这对弗朗西斯科的事业至关重要。马尔萨里斯带着弗朗西斯科在欧洲最大城市的著名剧院里演出。从那时起，弗朗西斯科在意大利和国外经历了一系列重要的经历。他赢得了各种重要的奖项：纽约的国际爵士音乐节组织奖，伦敦的世界萨克斯风比赛等。为了体验新的音乐风格和流派，弗朗西斯科前往新奥尔良，与许多当地重要音乐家一起演奏。

这张专辑是指挥大师多拉蒂率领伦敦交响乐团，演奏斯特拉文斯基的管弦乐曲《焰火》、芭蕾舞剧《火鸟》、交响诗《夜莺之歌》等名作。这是最为著名的发烧录音之一。《火鸟》虽然已是30年前的录音，但其音效仍会让现在的许多录音黯然失色，它不但曾是TAS榜上发烧片，演奏更是无懈可击。《夜莺之歌》录音同样杰出，演奏敏锐、扣人心弦，其他短曲也表现得生动活泼。这是一张不买必定终生遗憾的唱片。《企鹅唱片指南》评价三星带花。 《HiFi音响》多拉蒂的斯特拉文斯基芭蕾乐演译，固然够狠够劲；然而他指挥的这些音乐还有一个共通点，就是形象极鲜明，角色栩栩如生，呼之欲出。比较他在Mercury和Decca两个不同时期的《火鸟》录音，基本概念没变。壮年的多拉蒂更狂放，去得更尽；这样有个性的演出，恐怕今日的指挥家是畏于造次了。乐队准绳度方面，伦敦交响和底特律交响都表现优异；乐团表情变化幅度之大，不得不写个“服”字。个别乐器独奏乐句是另一位亚杜——Dutoit处理得精巧些，不过Dorati把故事的张力保持得更紧凑，布局更戏剧化。

这张专辑是竖琴演奏家玛丽莎·罗伯莱斯与艾奥娜·布朗指挥的圣马丁室内乐团合作，演奏亨德尔、布瓦尔迪厄、迪特斯多夫、莫扎特、贝多芬等著名作曲家的竖琴音乐作品，优雅而明快。 竖琴这一古老的乐器始终有一种让人无法抗拒的典雅之美，其音色平和、舒缓却又极富底蕴。数百年来，竖琴虽然在交响乐团中一直扮演着配角，但是以它为主角的古典音乐却往往令听众如痴如醉。竖琴的声音像天上的音乐、像流水和微风拂面，能想象到在草地野餐的画面，安静、阳光、绿色和潺潺溪水声。 罗伯莱斯演奏的竖琴感觉晶莹剔透、珠圆玉润、水灵光滑，布朗女士指挥圣马丁爱乐配合得天衣无缝。整张专辑无论是演奏还是录音都是极其优秀的，《企鹅评荐》给予了三星带花的最高评价。

这张专辑是吉他演奏家乔丹·吉尔确普自己编曲辑录的第一张唱片，完全是“自传”性的专辑。真正的吉他爱家喜欢品聆一把吉他的“清弹”，可能这样才能细赏其中的香醇味。这张专辑由乔丹·吉尔确普自己演奏，自己撰写唱片文稿，用琴声和文笔抒发心声，很适合吉他爱好者的口味。听这张唱片，可以先凭自己的“听功”，按顺序欣赏，也可以按“文”索骥，依乔丹·吉尔确普的引语踏上唱片中的吉他音乐之旅。熟悉几遍之后，当你闭上眼睛，专心欣赏这场吉他独奏音乐会，乔丹·吉尔确普的乐思在你心中会更加清晰，更能产生共鸣。

这张专辑收录了王羽佳演奏的肖邦、李斯特和斯克里亚宾的奏鸣曲，并穿插两首利盖蒂的练习曲。 专辑中都是兼有难度和深度的有份量的曲目，王羽佳就是想把第一张专辑当作一个宣言：“我不是一个弱小的亚洲小女孩！”她在专辑中展现了三首奏鸣曲之间的对比和联系：肖邦和李斯特都是19世纪浪漫主义钢琴音乐天才，但二人对奏鸣曲这一产生于欧洲古典主义时期的音乐体裁的理解却迥乎不同。相形之下，20世纪作曲家斯克里亚宾的第二奏鸣曲在精神和气质上却更接近肖邦，显然受到了肖邦的极大影响。聆听这张专辑时，自始至终都能感受到令人热血沸腾的情感张力，音乐一直吸引着听者的注意力直到曲终。 有人认为王羽佳这几首奏鸣曲的演奏速度过快，为此我特意对比了这些奏鸣曲的其他经典演奏版本，发现王羽佳的演奏时间并不比其他版本短。我认为是王羽佳演奏中喷薄而出的朝气、流畅率真的音乐表现，使音乐结构显得极为紧凑、充满动感，所以使听者心理上的速度感要快于实际的演奏速度。专辑中的两首利盖蒂练习曲是令许多演奏家望而生畏、难度极大的现代音乐作品，王羽佳的演奏体现了她对键盘近乎完美的控制能力，信手拈来，毫无负担。