这张专辑是打击乐器大师吉姆·布洛克1989年录制的，充满热带风味的温暖柔情之作。专辑的音效极为出色，入选《TAS》“超级CD”榜单，音响论坛“杨肇睢精品CD”特别推荐。格莱美奖最佳制作人Don Dixon担纲制作，录音大师Keith O.Johnson在Reflection Sound Studio录音室录制的极品录音。
（陈煐光/评）此碟内容以南美鼓为主，伴以电子及爵士音乐，营造出充满活力的热带气氛，录音方面则肯定属于Professor Johnson最佳制作之一，结像力好到令人喝采，高频伸展之佳似已超越CD境界，此碟之高频空气感及音乐弹跳力可直接向LP挑战。
（刘名振/评）音乐内容就像名字般的热情与浪漫。这张唱片中实在无法挑出什么比较不好的片段，每一首都是音响效果最佳的示范片。一般人喜欢强调第八首“p vAZIO”前面的低频。除了低频之外，这张唱片最让我感动的，就是它无所不在的活生感，每个乐器都逼真到好像要蹦出喇叭似的。这绝对是KOJ中期的颠峰之作，怎可不买？
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小喵陪你听古典
聆听美妙旋律、感受艺术真谛
---这张专辑是旺德指挥科隆广播交响乐团，演奏布鲁克纳的《第五交响曲》，1974年7月7日在德国科隆的录音。这是布鲁克纳《第五交响曲》的初版，是布鲁克纳1875-1878年间创作的。
旺德的演绎，展现了他对作品深刻的理解和精湛的技艺。他特别注重音乐的层次感和空间感，使得演奏既具有力度又不失细腻。在第一乐章中，他通过精准的节奏控制和丰富的音色变化，成功地营造出一种庄严而深邃的氛围。第二乐章则以柔板的形式展开，弦乐与木管交织出如歌般的旋律，旺德通过细腻的处理让这一段充满情感张力。第三乐章的谐谑曲部分则展现了作品的活力与戏剧性，旺德通过强烈的对比和鲜明的节奏变化，使这一乐章既欢快又不失紧张感。末乐章的赋格形式终曲则以宏大的规模和复杂的复调结构结束全曲，旺德通过精确的指挥和乐团的高度配合，将布鲁克纳对宗教和理想的崇高追求完美呈现。
旺德的这个录音版本因其录音质量高、演奏水准卓越而广受好评。尽管有评论指出录音中某些细节处理不够完美，但整体而言，这一版本被认为是布鲁克纳《第五交响曲》的经典演绎之一。
---这张专辑是旺德指挥科隆广播交响乐团，演奏布鲁克纳的《第四交响曲》，1976年12月10日在德国科隆的录音。这是布鲁克纳《第四交响曲》的第二版，是布鲁克纳1878-1880年间修订而成的。
旺德的演绎为《第四交响曲》赋予了独特的魅力，他追求音色的清澈响亮，使音乐仿佛在雨后的明净空气中展现平常无法察觉的细节。这种表现方式不仅突出了作品的美感，也体现了旺德对音乐流动性的高度重视。他不会过分强调音乐中的突强，而是注重整体的流畅性和内在张力，使得音乐既充满力量又不失细腻。
旺德的这个录音版本是无与伦比的经典演绎，展现了他对布鲁克纳音乐结构的深刻理解，尤其是在第一乐章的复杂对位法和第四乐章的宏伟气势上，他的分析井井有条，节奏掌控精准，使得整部作品呈现出一种“平淡之中见精深”的境界。这不仅是他个人艺术生涯的代表作之一，也是布鲁克纳爱好者不可错过的经典名盘。这部作品通过旺德的演绎，将布鲁克纳音乐的精神内核与现代演奏技术完美结合，成为后世许多指挥家学习和借鉴的典范。
8这张专辑是旺德指挥科隆广播交响乐团，演奏布鲁克纳的《第三交响曲》，1981年1月5-17日在德国科隆的录音。这是布鲁克纳《第三交响曲》的第三版，是布鲁克纳1889年进行重要修订而成的。
旺德的演绎注重对布鲁克纳音乐中复杂情感的表达。他通过精准的节奏控制和丰富的动态变化，将布鲁克纳作品中的神秘、庄严与激动的情感层次展现得淋漓尽致。在第一乐章中，他通过缓慢而庄严的节奏推进，营造出一种神秘而深邃的氛围；而在第二乐章中，他则通过轻快的旋律和生动的节奏变化，表现出一种轻松愉快的情绪。
旺德还特别注重对布鲁克纳音乐中复调技法的处理。在慢乐章中，他通过清晰的线条和层次分明的音响效果，展现了作品中复杂的复调结构和丰富的和声色彩。这种处理方式不仅突出了作品的戏剧性，也使其更加贴近布鲁克纳本人的艺术追求。
旺德的这个录音版本被认为是其艺术巅峰之作之一。他的演绎风格内敛质朴，但又不失激情与力量。这种独特的艺术魅力使他的录音成为许多布鲁克纳爱好者心中的经典。
大家都在听
20世纪伟大钢琴家《戈多夫斯基》
这张专辑收录了利奥波德·戈多夫斯基的演奏录音，包括肖邦、舒曼、贝多芬等的钢琴作品。
利奥波德·戈多夫斯基（Leopold Godowsky，1870年-1938年）犹太血统俄裔美国钢琴家、作曲家、教师。据一些资料上说，戈多夫斯基的手很小，他的技巧并不是那种辉煌无比，令人眼花缭乱的超技类型，他令人昏厥的技巧是高度的手指独立性，这个需要艰苦磨练的技术，在戈多夫斯基的身上可谓浑然天成。因此在演奏他自己改编的肖邦练习曲中，就能发挥出令人不可思议的效果：在他的改编练习曲中，占了绝大多数都把原作中的右手部分移去左手演奏，而且经常有左手独奏的版本，这个情况下，光是一只手就必须演奏两个甚至多个声部，不但需要十分完美的改写，还需要很好的手指独立性，这样才能使手指在几个声部的演奏中不缠在一起。
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47期
20世纪伟大钢琴家《拜伦·坚尼斯》
这张专辑收录了拜伦·坚尼斯的演奏录音，包括巴赫、贝多芬、肖邦、李斯特、舒伯特、勃拉姆斯的钢琴独奏作品。
拜伦·坚尼斯（Byron Janis，1928-）美国钢琴家。坚尼斯追求音色与表情，擅长演奏拉赫玛尼诺夫和普罗科菲耶夫的作品。
坚尼斯曲目跨及十九到二十世纪初：拉赫玛尼诺夫、普罗科菲耶夫和李斯特协奏曲，贝多芬和勃拉姆斯的奏鸣曲、舒伯特和舒曼的作品，但他还是对肖邦有着特殊的偏爱。除音乐本身外，坚尼斯本身的气质恐怕比音乐本身更能表达“肖邦”的特性。如同哈洛德·勋伯格所描述：“在舞台上，坚尼斯瘦长、几乎弱不禁风的样子，几乎马上唤起台下女性观众的母性怜爱本能，就像肖邦本人再现一样。等到他弹完一首《夜曲》 ，半数观众都猜想会有位乔治·桑从后台走出来，搀扶着他前往地中海静养。”
坚尼斯形容他和肖邦的关系为“灵魂交感”。坚尼斯阐述道：“肖邦对他的弟子说过许多次‘用你的灵魂去弹奏。’如果你想创造真正伟大的音乐，就必需得这么做。如同现实生活，你付出愈多，得到的回馈也愈多。有人害怕无保留的付出，但是对我来说，只有全心付出才能唤起最高的美感和表现这个世界的神秘。让灵魂充分歌唱是妙不可言的经验。如果技巧真能和自己想象力结合，然后呢，神奇的事就会发生。你可以称它为交感、出神入化、浑然物外……随便你。反正它就是‘音乐’，不再是钢琴、也不再是音乐家：此时音乐的境界早已超越这一切。”
坚尼斯相信他“确实和肖邦有些奇妙的因缘，最早是1955年在诺昂特巧遇阿萝蕾·桑（Aurore Lauth Sand) ，也就是乔治·桑的孙女。接着是他发现了四份肖邦从未发表过的手稿，然后又在法国电视台的电视节目中演出肖邦这个角色。”如同霍洛维兹一样，坚尼斯的特点在于优美的歌唱性。如同坚尼斯告诉学生：“你不是钢琴家，而是位歌唱家。当然你学的是这种乐器，但你其实是同时扮演歌唱家和伴奏两个角色。有很多年轻学生觉得怯于去‘唱 ’ 。以前肖邦就建议他的学生，常去听伟大声乐家演唱，你就知道怎么弹钢琴。”
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伯恩斯坦《马勒·第九交响曲》
这张专辑是伯恩斯坦指挥柏林爱乐乐团，演奏马勒《第九交响曲》。获得日本《唱片艺术》推荐。
这是伯恩斯坦与柏林爱乐乐团唯一的合作版本，完成度出人意料的好，一点都不像是第一次合作演出。由于是现场录音，更使得音乐间形成了一股可怕的张力，听第一次会让你感动，第二次听大声叫好！听第三次会让你感觉人生索然无味。
《D大调第九交响曲》作于1909-1910年，在此曲之前的《大地之歌》，原应称为《第九交响曲》，因考虑到与第九有关连的作曲家的命运，才舍第九不用。作此曲时，马勒好像已安然超越了死亡，在第一乐章发展部也曾记有“呵，我消逝了的青春，我消费了的爱”，第三乐章开头记有“给在阿波罗的我的弟兄”，第四乐章结尾有“像死那样结束”。
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20世纪伟大钢琴家《乔治·齐夫拉》
这张专辑收录了乔治·齐夫拉的演奏录音，包括李斯特、肖邦的钢琴独奏作品。乔治·齐夫拉（Gyorgy Cziffra，1921-1994）法籍匈牙利钢琴家。齐夫拉的演奏，以技巧而取胜，技巧的表达令人眼花缭乱，但对作品的内涵往往很难深入探究。他演奏的练习曲及高难度技巧作品，都能充分展示其才华，最具特色的作品是李斯特的《匈牙利狂想曲》与《超技练习曲》。
齐夫拉无比富创意的《匈牙利狂想曲》、《匈牙利幻想曲》、《死之舞》及李斯特钢琴协奏曲，把他的才华逐音、逐小节地展现出来。对他来说，录音室不过是个空间，让他用来捕捉艺术灵感。他可以透过冒险、试验、练习，来达到彻底的说服力。他在录音室内燃亮作曲家所托付的音乐概念，再发挥所有的技巧魔力，让作品闪耀生辉。在他那疾风扫落叶般却又精准控制的演奏中，《塔兰泰拉》及《B.A.C.H.幻想曲与赋格》中的宏伟敲击和弦经过句，都表现得神乎其技而耀眼非凡。每个细节听来都是清新而富创意，使听众觉得似乎聆听一部从末听过的新曲子。齐夫拉演奏的肖邦的练习曲，如同帕格尼尼二十四首随想曲一般，难道是想把他们也塑造出李斯特魔鬼戏剧性般的意义？究竟是出乎自负、对艺术的冲动，抑或全然的实验精神，让齐夫拉如此演奏肖邦的练习曲呢？也许有人认为他的诠释可议而且卖弄技巧，甚至仅为填充录音曲目。但从另外一个较开放的角度来看，也许我们可以解释成：齐夫拉对这部作品的激情、不敏锐深入的诠释，也是对音乐的一种探索，他想追求任何可能的作品燃烧的方式。齐夫拉演奏的《英雄》波兰舞曲说明他在练习曲中表现的狂野只是一次特别。事实上，他对波兰舞曲的诠释让人联想《波兰幻想曲》作品61，因为齐夫拉把其中散漫、克制节奏的的风格被引用在《英雄》波兰舞曲这部和弦、节奏实则比较重的作品里。
63136期
20世纪伟大钢琴家《拉罗查(2)》
这张专辑收录了爱丽希亚·德·拉罗查的演奏录音，包括巴赫、斯卡拉第、亨德尔、海顿、莫扎特的钢琴独奏作品。
在这一套回顾拉罗查独奏踪迹的选辑中，我们收录了莫扎特四首优秀的奏鸣曲：K310、330、331和485。此时正值莫扎特在巴黎尝试脱离“神重”身份，建立自已成为一个有未来、有发展性而且独立的音乐家的时候，他深爱着的母亲却突然重病过世。换句话说，这些曲子的共通点在于它们完成于莫扎特生命中的一个极重要的转折点之际。
以K.330来说，第一、三乐章乍看之下似乎充溢着满足之情，而行板的第二乐章却让我们看见莫扎特心中晦暗的一面，而它是令人心痛的。或以K.31O为例，拉罗查呈现的伤感是存于记忆中的，呈现咖啡色调的感伤。而非一个当下发生的创痛经验。更具体的来说，拉罗查的诠释所择的是一种含蓄、内敛的陈述，而非贝多芬式外放、直接、咄咄逼人。至于《D大调回旋曲》K.485，我们看到最“洛可可”的莫扎特，其中洋溢着一种福克纳式的优雅。每一个分解和弦都是如此清断却不逾矩地，伴随风情万种的主旋律，亦步亦趋、恰如其份。
在海顿的行板与变奏中，拉罗查对触键和速度的敏锐再次得到证明。本曲初始动机的附点音符在拉罗查绝妙的弹性速度运用下，即使在开头的几小节中便己具备了令人慑服的必然性，拉罗查超卓的指上功力却在大调的段落大放异彩！
428142期
玛丽莎·罗伯莱斯《竖琴世界》
这张专辑是竖琴演奏家玛丽莎·罗伯莱斯的演奏录音，收录了15首竖琴音乐小品。
在西洋乐器中最引人浪漫联想的，当属竖琴。竖琴造型典雅，音色优美。擅于演奏琶音、滑音，营造涟漪扩散、流水潺潺或微风轻拂的特殊效果，与管弦乐器配合能产生奇妙的华丽音效，独奏时也能表现丰富的音色变化，给人以纯净、脱俗的印象。
玛丽莎·罗伯莱斯（Marisa Rolbles）的演奏以技巧见长，而其女性特有的细腻，更为她的诠释增添了魅力。玛丽莎·罗伯莱斯是非常有名的竖琴演奏家，她在Decca录制了很多的竖琴音乐。
竖琴的动态范围很大，从最轻微的触碰发出的蛛丝马迹般轻微的声响到最猛烈的弹拨发出的冲击。指法不同而在同一根弦上发出不同的声音，时而轻盈通透，时而猛烈丰满，时而悠扬余韵缭绕，时而急如珠落玉盘。自然松弛之余，清晰可辨长短弦之间前后的距离。
专辑入选《刘汉盛榜单》音响二十要之“解析力”。
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20世纪伟大钢琴家《威廉·巴克豪斯》
这张专辑收录了威廉·巴克豪斯演奏的录音，包括贝多芬、肖邦、李斯特、舒伯特、舒曼、勃拉姆斯等的作品。威廉·巴克豪斯（Wilhelm Backhaus，1884年3月26日-1969年7月5日）德国著名钢琴家。他是第一批的现代派键盘演奏家，他的演奏风格清楚、朴实、客观，在理性分析的同时也充满了感情。作为第一批留下录音的钢琴家，他在多年的舞台生涯和录音室中留下了伟大的遗产。巴克豪斯的钢琴演奏风格属于非常典型的后浪漫德国学派，对于经典曲目是以不屈不挠、几乎严苛的方式进行研究，对现代人来说或许是朴实无华。如果观看巴克豪斯的演奏，可以得知他也拥有惊人的技巧，不仅适合诠释勃拉姆斯的《第二钢琴协奏曲》，同样更适合精雕细琢的浪漫曲目，如肖邦的练习曲、或是李斯特改编舒伯特的《维也纳晚会》，巴克豪斯呈现出一种伟大的效果。巴克豪斯在这套专辑里的演奏，是1954年于卡内基音乐厅的实况录音，显露出煽情与奇特的感觉，与他在录音室间的演奏大异其趣。
237921期
20世纪伟大钢琴家《玛莉亚·皮蕾丝》
这张专辑收录了玛莉亚·皮蕾丝的演奏录音，包括巴赫、舒曼、舒伯特、肖邦、莫扎特的钢琴独奏作品。在20世纪那些伟大而具有影响力的女性键盘家里面，葡萄牙籍钢琴家玛莉亚·皮蕾丝占据了一个特别的地位。多年来，她不仅是祖国少数享有世界名声的人物，也在职业生涯的各个阶段，成功地建立一种超越国界的艺术性，以公众生活中的女性这样的议题挑战那些对音乐社会学兴致淡薄的音乐爱好者，换言之，皮蕾丝从来就不是一个“随意”的艺术家，她总是表达出自己的思想、总是明白或测试自己的极限，并反映在她的艺术或各种活动上，精确度上是强健的、行为上是大胆的、决策上是毅然的她，一直追求着将她极为个人的音乐、实作的眼光转化为声音能量的方法。在她职业生涯早期，其录音中晶莹剔透的琴音和充满生气的速度令闻者不禁竖耳倾听：其触键明确而有力，分句清新而致密，她给人的印象是擅长于“纯净”美学的年轻艺术家。她录制了莫扎特所有的钢琴奏鸣曲和协奏曲、一些巴赫的协奏曲、一系列舒伯特、舒曼和肖邦的作品（包含全部的两首钢琴协奏曲、以李帕第著名的排列顺序演奏的十四首圆舞曲）。
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