布吕根《木笛演奏作品选辑》

布吕根《木笛演奏作品选辑》

这套12CD的纪念性录音,收录了法兰士·布吕根演奏各种前巴洛克、巴洛克和洛可可时期作品的录音。 1934年诞生于荷兰的法兰士·布吕根(Frans Bruggen),在古乐(尤其是木笛)复兴运动中,扮演极重要的角色,他是首位置身专业木笛演奏而且成就非凡的音乐家。他积极投入研究文艺复兴、巴洛克音乐风格,为了找出正确的史料,他深入欧洲许多国家的图书馆,挖出深埋了250年以上的古乐谱,又商借了各大博物馆收藏的大小木笛,经过整理、研究、练习,展开他首度的“木笛独奏会”。 透过布吕根的演奏,让学术界第一次知道,原来知名的作曲家如巴赫、亨德尔、维尔瓦第、泰勒曼等,为木笛创作了这么多的曲子。布吕根可说是重现了巴洛克时期的木笛盛况,人们不再只是听说,而是可以真真实实的听到巴洛克时期优美的木笛音乐。 除了演奏古曲外,布吕根还邀约世界各地的知名现代作曲家为木笛创作现代作品,由于布吕根对木笛这样的积极态度,整个欧洲进入了布吕根风潮。他对木笛的研究精神及演奏能力,为后代树立了一个典范。布吕根所录制的木笛唱片数量,至今仍是后辈演奏家无法向背,可以说目前的演奏者只是将他所录过的曲目重新录制。尚未有一后人超越他的成就。 英国的作曲家Eve O Kelly这样推崇布吕根:“他的演奏风格极尽表达之能事,技巧完整富于弹性变化,……是建立在研究和演奏‘存活的历史乐器’,以及考据文艺复兴和巴洛克风格实际的作法上。” 布吕根的成就获得荷兰当局封为国宝级人物,并于现今的海牙皇家音乐院设立终身教职。当时,想要把木笛演奏学好,就必须前往木笛圣地── 荷兰,也就是布吕根的门下学习,才能得到最新、最正确、最有考据的木笛演奏法。这开启了所谓荷兰派的木笛教学。 收藏这一套合辑的真正原因,是布吕根本人的艺术性。考虑到他在大约30年前从录音室演奏转为指挥,因此实际上他所有的独奏和合奏录音都是在数字录音出现之前制作的,当今的古典音乐爱好者可能只知道或主要是靠名声知道他的乐器演奏生涯。
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莫扎特《第25、28、29、35交响曲》
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这张专辑包含莫扎特的四部交响曲。《企鹅唱片指南》给予三星带花级高度评价,称这套莫扎特中期交响“温暖、富有人文气息,是传统浪漫派莫扎特演绎的范本”;区别于现代本真演奏的轻盈短促,使用现代交响编制,弦乐声部饱满、音色温润,速度偏舒展,线条歌唱性极强,传承19世纪德奥对莫扎特的温情解读;不夸张炫技、不刻意制造戏剧张力,注重乐团声部平衡,木管、铜管、弦乐层次清晰,情感内敛含蓄;精准把控莫扎特奏鸣曲式、回旋曲式的逻辑,乐章衔接自然流畅,整体一气呵成。
奥曼迪《雄壮的进行曲》
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这张专辑是奥曼迪指挥费城管弦乐团,演奏十五首著名的进行曲,包括比才《斗牛士进行曲》、舒伯特《军队进行曲》、门德尔松《婚礼进行曲》、贝多芬《土耳其进行曲》、老约翰·斯特劳斯《拉德斯基进行曲》等耳熟能详的古典进行曲,还有几首当代作品,如苏沙《自由钟》、《星条旗永不落》、古德尔《扬基进行曲》,最后还有一首中国作品《山北》。 奥曼迪与费城管弦乐团的演奏这些作品,充满展现了他们无比迷人的“费城-奥曼迪之声”,管弦乐团的色彩调配得异常吸引人,弦乐产生出一种光滑透明、延棉润泽的音色,其亲切感人的韵味,是难以用语言来表达的。
斯塔克《意大利大提琴奏鸣曲》
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这张专辑是大提琴家斯塔克与钢琴家Stephen Swedish合作,演奏5位意大利作曲家的大提琴奏鸣曲,还附带一首与钢琴家左奇·西波克合作的巴赫《古大提琴和大键琴奏鸣曲》。斯塔克的演奏音色纯净饱满,没有过度的情感渲染,却精准捕捉了巴洛克与古典作品的结构美;弓法控制堪称教科书级,快速段落干净利落,慢板则沉稳而富有歌唱性;与两位钢琴家的配合默契,既突出大提琴的主导地位,也保持了室内乐的平衡感。 这张专辑的录音采用了标志性的三麦克风立体声技术,由传奇录音师Wilma Cozart Fine制作,声音的空间感极强,大提琴的形体感、泛音细节都被完整保留;低频扎实、高频通透,是大提琴爱好者测试音响设备的经典试音碟;模拟录音的温暖质感,在CD重制后依然保留了原始录音的鲜活感。
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詹姆斯·高威《黄金般的长笛》
詹姆斯·高威《黄金般的长笛》
詹姆斯·高威(James Galway,1939年12月8日-)北爱尔兰长笛演奏家。素有“魔笛”之称的詹姆斯·高威对古典音乐的表现拥有无人可及的高超技巧,他魅力超凡的演奏几乎超越了所有音乐上的界线。他吹奏出的独特的音色、高深的音乐修养和令人眼花缭乱的演奏技巧使他成为最受尊敬和最出色的艺术家。 詹姆斯·高威是一名古典音乐家,但是他的声誉远远超越了古典音乐圈,从爵士乐到世界音乐,从电影音乐到流行,高威在各个领域都游刃有余。一般说来大多数乐手都坚守自己的领域,因为一旦跨出自己熟悉的领域,很可能因为失败的尝试而危及声誉。但是高威在古典音乐之外的尝试,不仅没有影响他的大师声望,而且吸引了各种不一样的听众群,让高威在世界各地享有超级明星般地号召力。 就像音乐家杂志所说的“毫无疑问,詹姆斯·高威,已成为长笛的传奇。”另外,CDReview的“一听就令人难忘的音乐”、FonoForum称为“黄金般的长笛”及TaleZurich说“詹姆斯·高威是少数古典乐手中真正懂得流行演奏乐的人”等称誉都再再说明,詹姆斯·高威的长笛演奏,早已摆脱乐团中配角的局面,他使长笛成为主角,并给了它多变化的角色,说他赋与了长笛新生命绝对不为过,他也将使他自己和长笛,在音乐史下留下一个永远的里程碑。
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马尔库津斯基《肖邦钢琴作品》
马尔库津斯基《肖邦钢琴作品》
维托德·马尔库津斯基这位钢琴家的名字,在今天的乐界,有多少人听过呢?马尔库津斯基的名气非但被时间冲刷而去,其LP录音也只有少数以CD再版过,而且大都已绝版。听完这两张CD,你不得不承认,这位钢琴家实在是一位被历史遗忘的大师。    马尔库津斯基1914年生于波兰,在华沙音乐学院师从约瑟夫·图尔契恩斯基,后来分别跟玛格丽特·隆、艾西多·菲利浦和帕德雷夫斯基几位大师学习过。CD文案将马尔库津斯基与布索尼相提并论,认为两人同属德国与意大利两大钢琴传统的传人。马尔库津斯基是处于浪漫与现代钢琴学派之间的,风格不像帕德雷夫斯基那样放任,但也绝非波利尼之流的现代钢琴家。撇开流派问题不论,马尔库津斯基有自己性格鲜明的特色:从他强硬厚实的触键、粒颗凝聚感极强的琴音可以听出,比起帕德雷夫斯基倚赖踏板营造音色,他更重视指力的控制。马尔库津斯基仔细经营音与音之间的轻重联繫,同时保持着像上一代钢琴家举重若轻的从容风范,弹性速度广泛而高品味,而且键盘功夫干净利落。    两张CD都是肖邦的作品:14首圆舞曲、15首玛祖卡、还有第三奏鸣曲、第二协奏曲。马尔库津斯基演奏的舞曲都有令人不由得随着摆动的舞蹈感,柔软灵活的自由节奏是这位波兰人掌握肖邦语言的明证。玛祖卡触键敏感但强音仍血肉丰沛,圆舞曲尤其有种罕闻的力度,彷佛是舞者腰板挺直一般,胜过不知多少矫揉做作的演译。第二协奏曲这个录音已经把我迷住了:马尔库津斯基徐缓的抒情方式不但有天然的贵族气息,而且将乐曲情感上的暗涌表现得格外有力。这些曲子均足以跻身最耐听的肖邦演绎之列。
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辻井伸行《穆索尔斯基·图画展览会》
辻井伸行《穆索尔斯基·图画展览会》
这张专辑是日本钢琴家辻井伸行演奏穆索尔斯基的钢琴套曲《图画展览会》,附带李斯特的音乐会练习曲《叹息》、音乐会改编曲《弄臣》。演奏《图画展览会》这部作品不但要有磅礴的气势,而且要表现略带忧郁、充满神秘主义、错杂其间的诡橘色彩。完整地演奏这部套曲需要耗费钢琴家相当大的体力和考验演奏者的能力。辻井伸行非常成功地把许多独立的、个性的、鲜明短小的段落有机地融合在一起,同时也演奏出具有强烈感染力和鲜明色彩的旋律。 穆索尔斯基的钢琴套曲《图画展览会》在绘画和音乐相结合的作品中是一个非常典型的例子。它首先是由15段音乐组成:1段漫步,2段侏儒,3段漫步,4段古堡,5段漫步,6段杜伊勒里宫的花园,7段牛车,8段漫步,9段雏鸟的舞蹈,10段两个犹太人,11段漫步,12段里莫埃的集市,13段墓穴,14段鸡脚上的小屋,15段基辅的城门。其中有10段个性鲜明的标题音乐来描写画,有5段“漫步”主题穿插其间。在风格上这10幅画虽各有不同,但是却联结成一个有机的统一体,由一个承上启下的贯穿主题的“漫步”来贯穿其间。“漫步”主题夹杂着作曲家冥想的形象,踱步在10幅画中,同时冥想的形象情绪的不同变化,随着画面的不同而产生变化。通过变奏这个基本主题,逐渐走到《基辅的城门》中,以宏大的气势,表现出了穆索尔斯基对画家的沉痛、深切的 哀念。“漫步”是以一个套曲的引子开始,而且本身也是一个完整的乐曲,经常重复,同时在各小曲之间都以新的方式加以变奏。 李斯特《叹息》是1849年出版的《三首音乐会练习曲》之三。有些人根据标题译为叹息,有些人则因那似海水的波浪一般的旋律而更称为大海。这首需要两手交替演奏主旋律,并辅以轻柔的琶音伴奏的曲子是李斯特极至浪漫主义的极好体现,华丽的奏法也是李斯特的后浪漫主义风格和炫技演奏的最好证明。乐曲的优美旋律倒是颇有田园意境,不过结尾处不可思议的下行全音阶的大三度和弦,正如黑暗中发出的一声叹息。 李斯特的钢琴改编曲《弄臣》是1859年李斯特以威尔第歌剧《弄臣》中一段著名的四重唱《赞美你,爱情的女神》为材料,重新组织改编而成的一首钢琴曲。
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