德彪西《大海、夜曲、牧神午后前奏曲》
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德彪西《大海、夜曲、牧神午后前奏曲》

这张专辑是德·伯格斯指挥伦敦交响乐团及合唱团,演奏德彪西《大海》、《夜曲》、《牧神午后前奏曲》。 交响音画《大海》,作于1905年3月。此曲是德彪西最大的一部交响音乐作品,由三个不同内容的乐章组成,但每个乐章之间又有内在的联系,集中起来构成一部完整的作品。它表现了“大海”的景色及其富有动态的性格,并通过整个乐队的不同音区,极为强烈地表现出“大海”中各种画面的色彩。乐曲在时间和空间上给人以完整的“海”的印象和对海的幻想。新颖的和声、短小的旋律、丰富的音色、自由的发展,这些印象派的手法,都生动地刻画出了一幅幅大海的生动画面。 《夜曲》作于1897-1899年。这部作品据说是受怀斯勒《黑色与金色的夜曲与焰火》及斯因邦的诗《夜曲》的影响,德彪西自己这样说明:“夜曲的标题,在这里应作较一般性,尤其是较富装饰意味的解释。它不采用夜曲惯有的形态,而以特殊的印象与光影为焦点,烘托出所包括的所有意象。” 《牧神午后前奏曲》作于1892-1894年,取材于马拉美的同名诗作《牧神午后》,此曲为印象主义音乐的经典作品,被公认为音乐界的第一部印象派作品。不同乐器各自的音色和性能得到了充分的利用。此曲的成功,是德彪西将印象主义艺术特征与象征主义特征运用到音乐艺术中的一个典范。
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阿巴多《罗西尼、威尔第·歌剧序曲》
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这张专辑是阿巴多指挥伦敦交响乐团,演奏罗西尼与威尔第最著名的歌剧序曲。专辑演奏、录音水平一流,使之成为众多序曲合集版本中的经典范例。 序曲作为歌剧的开场白,有些浓缩了整部歌剧的情节和内涵,有些则听上去像是一部完整的乐队音乐作品。这张专辑集结了古典音乐史上最经典的歌剧序曲,他们的作者是世界歌剧史上最出类拔萃的两位意大利歌剧大师——罗西尼和威尔第。 出生于意大利并任米兰斯卡拉歌剧院音乐总监长达十年之久的指挥大师阿巴多,凭借出色的乐队控制力和深厚的歌剧功底被认为是20世纪中后期最伟大的歌剧指挥家之一。他指挥伦敦交响乐团演奏的意大利歌剧序曲,既不乏细致缜密的风格,也富含意大利式的热情奔放。
傅聪《诗意肖邦》
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在能够获得国际声誉的华人音乐家中,马友友是当今古典音乐界最红的大师级大提琴家,而钢琴家傅聪是享誉最久的“钢琴诗人”。生于1934年,以超人的天赋和勤奋,傅聪于50年代就成为杰出的青年钢琴家。1955年参加在华沙举行的第五届肖邦国际钢琴大赛,名列第三,并且获得“马祖卡”最佳表演奖。诺贝尔文学奖得主赫尔门海塞在听过傅聪演奏的肖邦作品后说,傅聪是“真正的肖邦,是华沙时的肖邦,海涅时的肖邦。”而傅聪丰富的人生、深厚的中国文学诗词涵养,及在哲学与美学上的思想,使他被西方音乐家尊崇为最能表现肖邦诗情的艺术家。 《夜曲》在罗马时代有“夜神”的意思,而这种音乐型式是由英国的费尔德所制。在低音部和弦伴奏下,高音域奏出如夜一般的寂静、如梦一样优雅的旋律,而费尔德之所以把这样的曲风称为《夜曲》,很可能是来自天主教会的“夜祷”。肖邦一共写有二十一首夜曲,而且正如哈聂卡所说,肖邦“把费尔德筑高、吹进戏剧的气息与热情使之壮大。费尔德的夜曲是朴素的牧歌,萧邦的夜曲不只是单纯的表达,而是经过装饰、阴郁而且带有东方气息。”肖邦音乐中最迷人的部份就是梦幻般的旋律与热烈的情感,而他的《夜曲》就像在清凉的夜晚仰望星空一样舒适快意。
傅聪《斯卡拉蒂·32首奏鸣曲》
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多米尼科·斯卡拉蒂是钢琴史上第一个研究古钢琴音乐自由风格特点的作曲家,是现代钢琴音乐的伟大奠基者.他创作的键盘奏鸣曲在结构和声、音乐风格以及演奏技巧方面独具艺术特色,对键盘音乐的发展起到了重要的作用.学习和研究他的键盘音乐,对我们准确的把握各个时期的键盘音乐风格具有重要意义。 傅聪对斯卡拉蒂的演绎,是将东方诗性美学与巴洛克键盘音乐精髓完美融合的典范,尤其在这张《32 首奏鸣曲》专辑中体现得淋漓尽致。他的触键轻盈而富有层次,高音区如水晶般清脆通透,低音区则温润饱满,避免了巴洛克演奏常见的生硬感。休止符处理极具呼吸感,每个停顿后都能引出灵动的旋律线条,让音符仿佛“从琴键上飘起”,充满飞翔的愉悦感。和声部分如水波荡漾,轻柔时如落英缤纷,营造出朦胧而诗意的氛围,被乐评称为“与灵魂走近”的声音。
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莱因斯多夫《莫扎特交响曲全集》
莱因斯多夫《莫扎特交响曲全集》
这套合辑是莱因斯多夫指挥皇家爱乐乐团,演奏莫扎特的41部交响曲。在这套莱因斯多夫演绎的作品中,音乐的神韵与声音的魅力是紧密相连的,而对节奏完美的无条件关注永远不会以牺牲自由的听觉为代价。在这方面,莱因斯多夫划时代的莫扎特交响曲录音仍然是新鲜的和永恒的,即使对今天的听众也是如此。 莱因斯多夫在指挥莫扎特时最关心的是清晰,换句话说,他费尽心思通过声音这一媒介把乐谱的内容传达给听众的理解。在表面上“毫无疑问”的早期交响乐中的主要路线,特别是在交响乐的开场乐章中。第29交响曲K201(186a),从不主张独断的摇摆,而是在琴弦的纹理中占据首位,从而确保半透明的声音画面,反过来允许听众获得启发的见解,进入作曲家的形式结构、和声发展。与此同时,莱因斯多夫揭示了一个良好发展的乐句音乐特征的感觉。以《第一交响曲》的快板为例。第27交响曲K199(161b),正如第一个主题是清晰而明确的,第二个主题是温柔、活泼甚至轻快的。每个短乐句都有自己的内在生命。 重复的乐段总是被省略,也许反映了当时的惯例,或许也因为LP唱片的时间限制,莱因斯多夫通常会缩减莫扎特的交响曲的时长,从《F大调第一部交响曲》中可以清楚地看到。《第18交响曲》K130,在早期的作品中,长笛具有色彩的功能,用它们自己的旋律线来填充背景而不是干扰音乐的行进。这种色彩缤纷的声音写在Andantino grazioso中有一种独特的美,在拨奏低音和柔和的小提琴背景下展开。与此同时,当莱因斯多夫想要制造出一种富丽堂皇的、近乎歌剧般的声音时,他也毫不犹豫,就像在《巴黎》第一号交响曲中那样。《第31交响曲》K297(300),演奏使用了长笛、双簧管、单簧管、巴松管、小号和定音鼓,莫扎特自豪地指出,这是他第一次使用单簧管的交响曲。在莱因斯多夫的诠释中,作曲家的自豪感几乎是显而易见的,这种诠释的特点是对作品音调的纯粹喜悦。
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凡格洛夫《拉罗、圣-桑、拉威尔》
凡格洛夫《拉罗、圣-桑、拉威尔》
这张专辑是小提琴家凡格洛夫与帕帕诺指挥的爱乐管弦乐团,演奏拉罗《西班牙交响曲》、圣-桑《第三小提琴协奏曲》、拉威尔《茨冈》。 拉罗《d小调西班牙交响曲》作品21,作于1873年。这部作品特别引人注意的是它罕见的标题。实质上,此曲是一部小提琴协奏曲。在拉罗的作品中,经常可看到类似这样“名不副实”的现象。或许是由于曲中所出现的奇特节奏、旋律,以及这些所描绘出来的浓厚的西班牙风格,所以作者才有意加上这个标题的。这部乐曲不但在外表上有华丽的效果和迷人的情调,而且在内容上也颇具深度,不愧为拉罗的代表作。伟大的音乐家柴科夫斯基听了这部乐曲之后,曾评价道:“这是极为愉快、新鲜而又明朗的乐曲……他的期望并不在于深刻”。 圣-桑《b小调第三号小提琴协奏曲》作品61,作于1880年,是题献给萨拉沙萨蒂的。此曲以优美的旋律及近似古典协奏曲的牢固乐曲结构,成为他器乐曲的代表作之一。圣-桑自己对这部作品的介绍是“两山夹一湖”,第一、三乐章是激/情的高山,第二乐章是平静的湖泊。第二乐章非常优美,如歌的旋律宁静祥和。很多人喜欢把这个乐章称为“船歌”。 拉威尔《茨冈》,作于1924年。拉威尔第三期的创作,发挥了印象派的风格,一心想表现自己本来的个性,略有倾向于古典派之势。此曲始终保持了简洁的样式,明白地呈现给人们拉威尔第三期作品的样相。以匈牙利民俗音乐为素材的这首曲子,是献给匈牙利出身的小提琴大师约阿西姆·约瑟夫的孙女伊利亚·达兰妮。此曲于一九二四年四月在伦敦的拉威尔音乐节初演。它吸取了匈牙利的民俗舞曲的风格,由慢拍的拉散及快板的富力斯卡的两部分构成。曲中有许多小提琴高难度技巧的演奏,成为一首很热闹的独奏曲,在结构及演奏技巧的变化上造成了非常优异的效果。这首曲子由含有忧愁的花奏风格的“徐缓拉散”乐段,及次第激烈快速的富力斯卡乐段的两部分构成。
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霍洛维兹《最后的音乐会》
霍洛维兹《最后的音乐会》
1987年6月21日,已经高龄八十三岁的霍洛维兹在德国汉堡的音乐厅举行最后一场音乐会。距离他第一次登台,几乎已经过了七十年的岁月。这一场音乐会由北德广播电台录制,但是存放在电台档案室里长达20年以上,除了安可曲,其它曲目从来未曾发行过。 这一场音乐会的曲目都是霍洛维兹晚年经常演奏的曲目:包括莫扎特的作品与舒曼《儿时情景》,最后则是以肖邦壮丽的第六号波兰舞曲《英雄》结束。而霍洛维兹最喜爱的长青安可曲:莫什科夫斯基《火焰》为整场音乐会点燃起灿烂的火花。对于爱乐者而言,这一套录音是非常珍贵、独一无二的纪念品,它记录了霍洛维兹最后一次公开演出的身影,透过录音,仍然可以体会到当时带场听众的激动。 告别舞台音乐会,正是展现大师数十年音乐人生精华所在,坚定有力、悠扬如歌的琴音仿佛告诉我们,大师历经常人的七情六欲,到晚年早已化入炉火纯青的境界,弹奏出颗颗质朴无华、感动灵魂的美妙音色。有人说弹奏莫扎特的作品,能弹得好的只有童年的孩子和晚年的老人,前者童心纯净无杂质,后者已萃练融炉火百炼成钢返朴归真,要弹奏好莫扎特作品,真的是需要有平静、纯粹的心境。霍洛维兹弹奏的两首莫扎特钢琴作品,琴音干净明亮、音色控制得极好,他不仅是用手弹,而是用 "心"在弹,更多的是一种品况自知的审慎、冷静、大气,如此才有了《D大调回旋曲》中那隽永回味的旋律。而《降B大调钢琴奏鸣曲》,如一首欢快的嬉游曲,音乐中霍洛维兹弹奏出的明朗心境,让人感到快慰。
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德沃夏克、圣-桑《大提琴协奏曲》
德沃夏克、圣-桑《大提琴协奏曲》
这张专辑是大提琴巨匠罗斯特洛波维奇早期的录音,包括与阿德里安·博尔特爵士指挥的皇家爱乐乐团合作,演奏德沃夏克《大提琴协奏曲》;与马尔科姆·萨金特爵士指挥的爱乐管弦乐团合作,演奏圣-桑《第一大提琴协奏曲》;与钢琴家Alexander Dedyukhin合作,演奏大卫·波泊尔、德彪西、斯克里亚宾、拉赫玛尼诺夫的大提琴与钢琴作品。 德沃夏克《b小调大提琴协奏曲》作于1894-1895年,是他的代表作之一,也是少数几部广受世人喜爱的大提琴协奏曲杰作之一。其内容的深度、鲜明的形象以及交响发展的规模等方面,更接近于他的最后两部交响曲,无疑都是它的成功所在。此曲可以说是作者停留美国期间的最后巨构,曲中旋律优美,更由于写作于美国,把美国的地方色彩和波希米亚民谣曲调巧妙地融合起来,产生独特的魅力。表达了作者对祖国和人民命运的思念,还有作者对初恋女友的哀悼,这些复杂的感情交织在一起,可以给人巨大的感动。 圣桑《A小调第一大提琴协奏曲》创作于1873年。这首作品模仿了舒曼的《大提琴协奏曲》和门德尔松的《小提琴协奏曲》,但是它只有一个乐章,因而在结构上不像这两首协奏曲那么正式。独奏乐器在第一小节就奏出了主部主题;奔泻而出的三连音音型、主题结束处的半音起伏进行,这些对整个作品都异常重要。当宁静的第二主题进入时,人们可能会认为这是古典奏鸣曲形式中的呈示部;然而简短的发展部(预示着尾声主题的一个新乐思在这里一闪而过)和接下来的几个不能被称作真正意义上的"再现部”小节,却将作品直接带进了下一个乐章(间奏部分)。这一乐章中乐队奏出的音乐有着小步舞曲的特点,然后便出现了双簧管以降B大调奏出的第一乐章的主部主题。
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保罗·施瓦茨《咏叹调·精选辑》
保罗·施瓦茨《咏叹调·精选辑》
这张专辑是Cafe del Mar旗下以歌剧与电子乐融合为主题的Aria系列精选辑,由Paul Schwartz与Mario Grigorov两位音乐人主导制作,是Cafe del Mar品牌拓展音乐多元性的重要尝试。这张专辑不仅是电子乐与古典歌剧融合的先锋之作,更代表着Cafe del Mar品牌从场景音乐向概念化艺术表达的转型,其独特的“电子巴洛克”风格至今仍被视作Chill-Out音乐中的另类经典。 Aria系列诞生于1999年,正值Cafe del Mar成立唱片公司之际。Paul Schwartz本身具有深厚的古典音乐造诣,他与Mario Grigorov将歌剧咏叹调、古典旋律与现代电子乐结合,创造出一种"神秘且富丽堂皇"的意境,突破了Cafe del Mar以往以海岛落日氛围为主的Chill-Out风格。这种跨界尝试获得了乐评界的高度评价,成为系列中艺术性突出的分支。 专辑以歌剧电子化为核心,重新演绎了普契尼《蝴蝶夫人》中的《Farewell》、亨德尔歌剧《塞尔斯》的咏叹调《Ombra Mai Fu》等经典段落,通过电子合成器、氛围音效与古典声乐的交织,营造出史诗般的空间感。相较于Cafe del Mar主系列的放松沙滩场景,Aria系列更强调戏剧张力与情感深度。 《Aria》是由Paul Schwartz构思、创作和表演的,是由歌剧中的经典片段变形而创作的充满现代气息的氛围舞曲。但是和其他氛围舞曲专辑不同的是《Aria》并不是仅依靠键盘和采样来完成的。专辑的音乐的出发点在于尽可能让人感觉到真实而生动,试图在听众的脑海中树立与一支大型管弦乐队共处伦敦最棒的录音棚——阿比大街——的现场一样。 专辑中的人声并非采样,而基本由百老汇如日中天的女高音Rebecca Luker录制。这些所有的真实人声使得整张专辑表现出了在该类音乐中前所未有的鲜活感和现场感。这些鲜活逼真的元素和强劲流畅的音乐结合创造出了一次令人兴奋的灵魂和心脏的双重体验。
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