勃拉姆斯、法朗克《小提琴奏鸣曲》
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勃拉姆斯、法朗克《小提琴奏鸣曲》

这张专辑是著名小提琴家大卫·奥伊斯特拉赫演奏勃拉姆斯和法朗克的小提琴奏鸣曲。奥伊斯特拉赫有着非凡的音乐才能和高深的艺术修养,以充满诗意般的抒情性演奏见长,有着惊人的表现力和精深的技巧,演奏风格纯朴庄重,富于热情,能使音乐达到十分高超的艺术境界,他那甜美、纯净的音色和激动人心的感情,强烈地打动着听众的心灵,被誉为是“莫斯科的帕格尼尼”,并获得“苏联人民演员”称号和斯大林、列宁奖金。艺术上曾受到克莱斯勒的强烈影响,但是他并没有完全照搬,克莱斯勒的具有唯美倾向的发音手法,在奥伊斯特拉赫那里变成了表现内心情感的手段。他的颤指有时采用艺术化的延迟瞬间开始,造成声音的久远延绵。 奥伊斯特拉赫的演奏具有深不可测的情感内涵,那种热情、博爱的精神,使他的琴音具有声无限的打动人心的力量。一位法国小提琴家曾说:“奥伊斯特拉赫是我一生听过的最完美的小提琴家,这种完美不仅由于他的技术足以和海菲茨匹敌的缘故,尤其难得可贵的是这种技术已经完全溶化在音乐之中。他的演奏是多么地诚挚而高尚啊!他的演奏经常表现出宏伟壮观的气魄,那雄浑的力度会打开每一个听者心灵的大门,他的音色时常流露出柔和和温暖,如同深情的阳光一般。” 他的演奏气质中具有一种悲剧的力量,将蕴含在俄罗斯民族心中无数世代的独特的心灵感受传达了出来。他的演奏中那种“悲天悯人”的巨大同情心使他的琴音挖掘音乐本身最深处的深刻的人性善的信念,这是非具备最博大的人性的人所有能及的。 勃拉姆斯《d小调第三小提琴奏鸣曲》作品108完成于1888年,是他三首奏鸣曲中最为饱满、光辉的一首。作品充满戏剧性色彩,情绪转换幅度较大,钢琴声部和小提琴声部有机地融为一体,结构也扩充为四个乐章。晚年的勃拉姆斯因好友的去世感到悲观与宿命,愁绪与伤感隐含在作品中,但最终还是以积极肯定的态度赞美生活,体现出信念与希望。 法朗克《A大调小提琴奏鸣曲》完成于1886年,是作曲家献给小提琴名家依萨伊的结婚礼物。作品曲式结构丰富,旋律甜美阴柔;音调色彩多端,半音穿梭密集;情绪亢奋缠绵,内心喜悦冷静,带很强的内省挚诚与神秘气氛。
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梅纽因《帕格尼尼·第一、二小提琴协奏曲》
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这张专辑是小提琴大师梅纽因与意大利指挥家埃雷德率领的皇家爱乐乐团合作,演奏帕格尼尼《第一、二小提琴协奏曲》。梅纽因演绎的帕格尼尼《小提琴协奏曲》在技巧上是登峰造极的,音粒饱满、节奏稳定适中、左手拨弦铿锵响亮,自然泛音和人工泛音平滑精准,一些难度很大的双音段落依然可以使用连顿弓来完成,八度跳音几乎没有过多的滑指连接,繁复高难而精湛纯熟得无可挑剔,情感转换细腻大方、音乐表现一气呵成、淋漓尽致。这个录音是梅纽因热情似火的技艺展现和雄浑辽阔的音乐处理,更重要的是意大利人骨子里透出的浪漫与热烈情感,引领乐迷进入帕格尼尼的音乐世界。 梅纽因这版录音属于“抒情人文派”,速度从容克制,不刻意飙速;重视旋律线条与情感叙事,慢板乐章处理尤为动人;技巧扎实但不炫耀,把帕格尼尼从“魔鬼炫技大师”还原为浪漫抒情作曲家。短板客观存在,部分超高难度快速段落清晰度不如当代专精帕格尼尼的演奏家,但音乐内涵、歌唱性是其无可替代的优势。埃雷德的伴奏非常克制、通透,乐团音量不抢独奏风头,弦乐声部柔和铺垫,让梅纽因的抒情音色充分凸显;皇家爱乐的木管、铜管点缀细腻,解决了很多帕格尼尼录音乐队粗糙嘈杂的通病。 梅纽因的琴音甜度高、泛音丰富,相比后世纯技术流演奏,录音音色更柔和、浪漫化,不追求极致锋利的爆发力。1960年代EMI金斯威大厅立体声录音标杆,声场宽阔、空间残响自然;乐队层次清晰,小提琴独奏不刺耳,中频温暖顺滑,无老式单声道的单薄感。ADD制式保留原始模拟温润底色,弱化黑胶底噪,动态范围完整保留,独奏与管弦平衡极佳,不会出现小提琴盖过乐队的问题。
古巴传统音乐《好景俱乐部》
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这张是唯一一张完全以“Buena Vista Social Club”集体名义发行的标准录音室专辑,获得1998年第40届格莱美“最佳传统热带拉丁”专辑,是世界音乐罕见拿下主流格莱美重磅奖项。登顶美国Billboard世界专辑榜、拉丁专辑榜,在拉丁榜单停留107周;在欧美各国专辑榜长期高位,打破世界音乐小众壁垒。2022年被美国国会图书馆列入《国家录音登记处》永久保存,认定为具有全球文化、历史美学价值的录音作品。《滚石》杂志列入“史上最伟大500张专辑”;各大媒体评为1990年代最佳唱片之一。 专辑发行前,古巴Son、Bolero仅在本地小众流传,年轻一代追捧欧美流行乐;这张专辑让中老年乐手一夜全球爆红,晚年开启世界巡演,古巴传统音乐重新被本国年轻人重视。第一次让小众拉丁传统音乐打入欧美主流唱片市场,带动全球“复古世界音乐”热潮,后续大量古巴、非洲、南美传统音乐人获得国际发行机会。成为古巴国家文化名片,海外游客去哈瓦那必寻访专辑相关街巷、老店;封面老哈瓦那街道、复古老轿车成为古巴复古美学标志性视觉。 英国制作人Nick Gold原本策划一场马里非洲吉他手+古巴乐手的跨国融合录音,邀请Ry Cooder前往哈瓦那制作;但马里音乐人签证受阻无法抵达古巴,项目濒临取消。Ry Cooder与古巴音乐向导Juan de Marcos临时决定,寻访哈瓦那被遗忘的中老年老牌乐手。这些人是1940-1950年代古巴“Son、Bolero、Danzón”黄金年代的大师,因时代变迁早已淡出乐坛,不少人转行做木匠、理发师、鞋匠。“Buena Vista Social Club”取自哈瓦那1940年代一间著名黑人音乐社交俱乐部,当年正是这些老艺人常年演出的场所,俱乐部早已停业,专辑以此命名致敬古巴逝去的音乐黄金岁月。
史蒂文奥斯本《拉赫玛尼诺夫·音画练习曲》
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这张专辑是钢琴家史蒂文·奥斯本演奏拉赫玛尼诺夫《音画练习曲》。奥斯本以细腻音色控制、克制而深邃的诠释闻名,区别于多数演奏家一味强调雄浑巨响,奥斯本擅长区分多层和声织体,低音浑厚不浑浊,高音线条通透,把拉赫“一台钢琴等于一支交响乐团”的配器思维完全展现。奥斯本不刻意浮夸炫技,依靠精准力度渐变、细腻速度弹性塑造画面:Op.39 No.5风暴段落力量充沛却不失细节;Op.39 No.7葬礼慢板沉郁克制,悲怆感内敛更动人。尤其对 Op.33 No.3这首长期被忽略的撤稿作品,奥斯本挖掘出近乎交响曲的宏大深度,被乐评公认为此曲最优秀录音版本之一。既保留俄罗斯音乐自带的忧郁、苍茫史诗感,又带有英式演奏的冷静理性,避免过度煽情,叙事逻辑清晰。 《音画练习曲》是拉赫玛尼诺夫专为独奏钢琴而作的一套标题性组曲,用钢琴技巧与音来作绘画表现,包含作品33与作品39,其中作品33第4首与作品39第6首相同。
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勒纳·莱博维茨《贝多芬·第六、八交响曲》
勒纳·莱博维茨《贝多芬·第六、八交响曲》
这张专辑是莱博维茨指挥皇家爱乐乐团,演奏贝多芬《第六、八交响曲》。由著名录音师韦尔金森(K.Wilkinson)1961年录制。专辑演奏、录音都极为出色,是古典音乐的天碟级作品。 《F大调第六交响曲》作品68,大约完成于1808年,又名“田园”交响曲。此曲是贝多芬少数的各乐章均有标题的作品之一,也是他九首交响乐作品中标题性最为明确的一部。此时的贝多芬双耳已经完全失聪,这部作品正表现了他在这种情况下对大自然的依恋之情,是一部体现回忆的作品。这部作品1808年在维也纳首演,由贝多芬亲自指挥,在首演节目单上,他写到:“乡村生活的回忆,写情多于写景”。整部作品细腻动人,朴实无华,宁静而安逸,与贝多芬的《c小调第五交响曲》同为世界上最受欢迎的交响曲之一。 《F大调第八交响曲》作品93,完成于1812年10月。此曲是贝多芬闻名于世的九部交响曲中最为短小的一部,有时受到忽视。但贝多芬自己对它十分喜爱,甚至称它比第七交响曲“强得多”。虽然写作时贝多芬生活并不顺利,但该作品依然有着轻松愉快的风格。其规模虽然短小,但精悍紧凑,充分体现了贝多芬的作曲技艺。与贝多芬的一些其它作品(如著名的《月光奏鸣曲》)类似,该交响曲的末乐章分量最重。值得注意的是,在第二乐章中,木管乐器演奏出固定的音型,被认为是模仿当时刚刚得到改进的节拍器的声音,并且在乐章最后还有一个玩笑般的“节拍器出故障”的乐段。除此之外,也有其它部分被认为是音乐玩笑。
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旺德《贝多芬·第一、六交响曲》
旺德《贝多芬·第一、六交响曲》
这张专辑是旺德指挥北德广播交响乐团,演奏贝多芬《第一、六交响曲》。汪德的指挥架构在流动性的音乐行进上,在稳健中散发处处精妙,音乐不会流于死板或沉闷。旺德忠于贝多芬原谱的指挥特性,这个录音也成为见证他毕生七十年指挥艺术的终极代表作。除了汪德本人的指挥艺术,北德广播交响乐团、录音师在平衡上的拿捏、音色表现的细腻等,都让此录音成为爱乐者不可或缺的经典名盘。 《C大调第一交响曲》作品21,作于1794至1796年。此曲整体风格沿袭了前辈莫扎特、海顿的很多音乐元素,幽默通俗又带有舞蹈性。某些部分的旋律激昂,某些部分充满了欢乐的喜剧性,轻松诙谐,展现了舞蹈性的主题。此曲的和声手法、浓重的管弦乐笔法,呈示部结尾处的定音鼓,第三乐章中行进级攀登的曲调、疾快的速度、突然的转调,恶作剧式的休止符,这一切都处处隐伏着未来贝多芬的所有因素。 《F大调第六交响曲“田园”》作品68,完成于1808年。此曲是贝多芬少数的各乐章均有标题的作品之一,也是他九首交响乐作品中标题性最为明确的一部。此时的贝多芬双耳已经完全失聪,这部作品正表现了他在这种情况下对大自然的依恋之情,是一部体现回忆的作品。这部作品1808年在维也纳首演,由贝多芬亲自指挥,在首演节目单上,他写到:“乡村生活的回忆,写情多于写景”。整部作品细腻动人、朴实无华、宁静而安逸,与贝多芬的《c小调第五交响曲》同为世界上最受欢迎的交响曲之一。
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朱利尼《勃拉姆斯交响曲全集》
朱利尼《勃拉姆斯交响曲全集》
这套专辑是朱利尼指挥爱乐管弦乐团、新爱乐管弦乐团,演奏勃拉姆斯的四部交响曲、《悲剧序曲》、《海顿主题变奏曲》。 《c小调第一交响曲》作品68,作于1855年-1876年。此曲充满了斗争、烦恼、苦闷、失意、喜悦等人间七情六欲的交织,是遍历人世沧桑者最伟大的精神安慰,也是勃拉姆斯留给世人的精神至宝。有趣的是,这部交响曲的最后一个乐章中某个主题与贝多芬《d小调第九交响曲》中“欢乐颂”的曲调极为相似,不负其“第十号交响曲”之美名。 《D大调第二交响曲》作品73,1877年夏天。此曲不再以表现悲剧性和英雄性为主,而是着力谱写一首纯朴感人的浪漫主义田园诗,有点像“日落时分的荷兰”风景画,或者说保持着古风的维也纳的诗意画页,整个作品沐浴在宁静、柔美、明朗的光辉之中,是一种欢乐的生活感受。 《F大调第三交响曲》作品90,作于1883年。此曲是在勃拉姆斯知天命之时诞生的,他那时“倚着威斯巴登的夏季,窗外可看到莱茵河与周围荡漾着黑森林的清新”。擅用木管,素描自己的矜持和细腻。第三交响曲,与第一和第四一样,总充满着“反省的怀疑”。纠缠的潜涌最终都自行寻取到光明的暖流。定音鼓轻轻在旁,潜涌捂住被暗礁划破的伤处若无其事向前奔去;高山在顶上。当尾声落入沉稳平和时,已是心灵澄澈,夕色透明。 《e小调第四号交响曲》作品98,完成于1885年,同年十月由勃拉姆斯亲自指挥首演。此曲和其他三部交响曲在性格上迥然不同:第一,它具有前三首交响曲中所没有的忧愁色彩,即后人所说的“古典悲剧性”。其实在这以前,勃拉姆斯也常在他的作品中抒发忧愁的情思,但像此曲这样,以忧愁作为乐曲的基调,却属首次。它的第二特征是,全曲以“古老”的手法写成。当然,古老、典雅是勃拉姆斯全部作品所显示的重要特征之一。由于本交响曲具有这些特征,所以一直未能得到普遍的理解。但此曲的深刻隽永,终于逐渐被听众所接受。
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富特文格勒《勃拉姆斯·交响曲全集》
富特文格勒《勃拉姆斯·交响曲全集》
这张专辑是富特文格勒指挥柏林爱乐乐团,演奏勃拉姆斯的四部交响曲和海顿主题变奏曲。富特文格勒的诠释深沉、内敛和富有情感,通过音乐传达出勃拉姆斯的内心世界,使听众能够感受到勃拉姆斯音乐中的悲剧命运意识和音乐内在奥秘。他的演绎不仅注重音乐的结构和形式,更注重音乐的情感表达和哲学内涵。富特文格勒的指挥还体现在他对乐团的控制和对音乐的把握上。他能够通过细腻的指挥动作和对音乐的深刻理解,引导乐团演奏出最完美的效果。他的指挥风格被认为是“下半身根植在悲剧的土壤中,上半身在张臂示怀的人”。 富特文格勒对勃拉姆斯的音乐有着独特的理解。他认为勃拉姆斯是德国音乐传统中的继承者,也是现代艺术家,他的音乐体现了个人意志与时代潮流之间的分离。富特文格勒认为,勃拉姆斯是与时代抗争的第一人,主张简洁的形式,而不是创造喧嚣的世界。他强调勃拉姆斯音乐中民族主义和民间音乐的影响。 富特文格勒对勃拉姆斯交响曲的演绎,不仅体现在技术层面,更体现在情感和哲学层面。他通过音乐传达出作曲家的悲剧命运意识和音乐内在奥秘,这种理解远远超过其他任何指挥家。富特文格勒被认为是表现勃拉姆斯交响音乐重大内涵的第一人。
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富尼埃《勃拉姆斯、巴赫·大提琴奏鸣曲》
富尼埃《勃拉姆斯、巴赫·大提琴奏鸣曲》
这张专辑收录了大提琴家皮埃尔·富尼埃演奏的三部作品的历史录音:1、与钢琴家巴克豪斯合作,演奏勃拉姆斯《第一、二大提琴奏鸣曲》,1955年5月1-3日在日内瓦维多利亚音乐厅的录音,这是巴克豪斯所留下的极少数的珍贵室内乐录音之一;2、与钢琴家Ernest Lush合作,演奏巴赫《G大调奏鸣曲》。 音乐大师贝多芬的五首大提琴奏鸣曲堪称音乐史上的里程碑。受其影响和启发,勃拉姆斯也创作了两首《大提琴奏鸣曲》,但是创作年代却相隔了二十多年。第一首奏鸣曲多有室内乐风格,以较低的音区表现沉郁凄苦之情;第二首则具有戏剧性和交响乐写作手法,有较多的高音区明亮音色,具备明朗热情的性格。两首作品均美不胜收,以直入人心的旋律和细腻的感情表达成为具有深远影响的室内乐精品。 《e小调第一大提琴奏鸣曲》作品38,完成于1865年,其时勃拉姆斯正经历丧母之痛。太多的哀恸与忧郁,难言的心思愁绪,以及回忆中的欢笑与相聚等等,均以一把大提琴和一架钢琴之间绵绵不尽的对话展开,成就了这首三个乐章均为小调的、气息宽广朴实动人的佳作。 《F大调第二大提琴奏鸣曲》作品99,与《第二小提琴奏鸣曲》同时完成于1886年,瑞士托恩湖畔。此时五十岁开外的勃拉姆斯已经完成了四首交响曲,具备更完善的创作技巧和更成熟的思想境界,正处于创作顶峰期。这首奏鸣曲篇幅长大、结构复杂、乐句宽广,乐思充满欢乐与伤感等多重意味,成为勃拉姆斯的力作之一。 巴赫为甘巴琴所作的《G大调奏鸣曲》BWV1027,是巴赫在克滕时期(1717-1723)在克滕宫廷为甘巴演奏家阿贝尔创作的三首奏鸣曲的第一首。此曲极具巴洛克时期典型的音乐风格,音乐上非常质朴却富有哲理。巴赫运用了大量复调创作手法,使两件乐器在旋律上交相呼应,处于平等的位置,展现了各声部的不同情感表达。
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福雷钢琴、室内乐与合唱作品
福雷钢琴、室内乐与合唱作品
这套12CD合辑收录了法国作曲家福雷的部分作品,包括钢琴作品、室内乐作品、乐队与合唱作品及《安魂曲》。由Jean-Philippe Collard演奏钢琴、Augustin Dumay演奏小提琴、Michel Debost、Patricia Nagle演奏长笛、Parrenin Quartet担任弦乐四重奏、Michel Plasson指挥的图卢兹国立管弦乐团担任协奏。 加布里埃尔·福雷(Faure Gabriel,1845-1924年)法国著名作曲家和管风琴演奏家,在法国音乐历史上,福雷是跨越19世纪和20世纪的桥梁。由于福列在19世纪法国艺术歌曲乃至整个欧洲艺术歌曲发展中的地位和贡献,被后人誉为“法国的舒曼”。 以精致求纯净,由纯净求柔美,由柔美求高贵,这是福雷音乐的基本特征。他鄙视复杂的管弦乐技法,坚持在单纯中寻找丰富的表现效果,这是他热衷钢琴曲与歌曲创作,冷落管弦乐的主要原因。他的重要作品,其实首先是钢琴曲与歌曲,然后才是室内乐。他的室内乐,两首钢琴五重奏、两首钢琴四重奏、两首大提琴奏鸣曲、两首小提琴奏鸣曲及最后的一首钢琴三重奏与一首弦乐四重奏,其实构成了他创作的最高水准。这些室内乐,尤其晚期作品,结构之严谨,织体之精妙,在简朴中体现和声之丰富,都达到了极高的水平。只不过曲高和寡,传播力不高,一些人才怀疑他在音乐史中的重要性。仔细分辨这些室内乐,其实依稀能感到,它们是福雷最喜欢的两种钢琴表现形式——船歌与夜曲,轻风清波荡漾和月色花影迷离,诗意与情趣扩容、推演、融合的结果。
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妮寇拉·本内德蒂《巴洛克》
妮寇拉·本内德蒂《巴洛克》
这张专辑是苏格兰裔意大利小提琴家妮寇拉·本内德蒂与本内德蒂巴洛克乐团携手,2020年12月在伦敦录制的。她给专辑起了个简洁明了的名字《巴洛克》。妮寇拉·本内德蒂说:“演奏这些音乐的挑战在于要做到极致,还要有做到极致的勇气。”她表示,在十八世纪的威尼斯、那不勒斯和罗马,热烈、激情和美是世俗和宗教音乐的基石,在那个画家、作曲家和建筑师们把想象力推至极限的年代,巴洛克音乐代表着一种“表达的放纵”。 维瓦尔第写了很多D大调协奏曲,他总是会以一种很明快的方式使用这个调式,妮寇拉·本内德蒂介绍其中一首:“《D大调小提琴协奏曲, RV 211》采用了典型的三乐章形式,第二乐章很有亲密氛围,第三乐章则更有追逐感,有很多奔驰的十六分音符,更加轻盈、富于技巧。”在《b小调小提琴协奏曲, RV 386》中,维瓦尔第写了很多装饰音、琶音和模进,包括反复快速的十六分音符,“但第一乐章里距离结束一分钟左右的时候,时间似乎停止了。然后,突然之间,我们闯进了一个最戏剧化、最激烈的音乐与鼓点共同构成的世界,几乎有种流行乐的感觉。” 另一首《降B大调小提琴协奏曲, RV 583》,妮寇拉·本内德蒂曾听过意大利小提琴家朱里亚诺.卡米诺拉演奏的录音,她感慨:“我觉得自己无法达到他的水平,但我真的尽力了。我打心底里喜爱这个乐章。它基本上是主题与变奏的形式,但美妙绝伦,犹如来自天使灵魂的声音。” 这张专辑除了展示维瓦尔第的四部小提琴协奏曲,还有另一位作曲家弗朗切斯科·吉米尼亚尼的《大协奏曲》(改编自阿尔坎格罗·科莱里创作的一组主题与变奏曲。“很多学琴的年轻人都很喜欢科莱里的作品,”妮寇拉·本内德蒂说:“但吉米尼亚尼的版本会把你带向科莱里不曾达到的极端,远比原作更为大胆。” 《d小调大协奏曲, H.143 “佛利亚舞曲”》是根据一段历史悠久的低音和弦行进改编的主题与变奏,在低音基础上演奏的西班牙萨拉班德舞曲式,其主题有种非常晦暗的感觉,妮寇拉·本内德蒂难以抑制地称赞道:“吉米尼亚尼在这部作品里触碰了变奏曲的极限,再多走一步,它就无法被称为那段主题的变奏了。”
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20世纪伟大钢琴家《格里戈里·金兹伯格》
20世纪伟大钢琴家《格里戈里·金兹伯格》
这张专辑收录了格里戈里·金兹伯格的演奏录音,包括李斯特、柴科夫斯基、普罗科菲耶夫、米亚斯科夫斯基等的钢琴作品。 《第二号匈牙利狂想曲》是所有技巧名家的“战马”,迷人的节奏与龙卷风般的声音能让钢琴家们展现自己而且让听众感到兴奋。金兹伯格不把这放在眼里。一开始他弹得十分谨慎、平静甚至太抒情了些。他逐渐而且自然的为音乐加压,产生了非常罕见的效果。伴随而来的是丰富的色彩,他的演出充满典雅优美的风味,技巧的困难问题已经不存在了。《第十号匈牙利狂想曲》也是同样的复杂。音乐内的电压常被用来示范音乐家技巧的最大可能性,但是听听看金兹伯格是如何让最困难的乐段迸出火花,如何准确的跳跃并改变节奏。当然,我们还不得不去注意金兹伯格的注册商标:滑奏。 《第十三号匈牙利狂想曲》与其说是狂想曲,倒不如说是一首叙事曲-宁静、内敛的戏剧性与清澈的乐句让音乐像是一首史诗,金兹伯格直到最后结束前才释放出如同乐曲开始前的深刻能量。《第十七、十八号匈牙利狂想曲》的创作时间比前面的作品晚上三到四十年,因此音乐的本质也与它们大不相同。它们不再重视表面上的夸大或是粗糙的快乐气氛,而是有一点点像前奏曲充满悲切与戏剧性。但是生的力量最后还是战胜这些悲伤。金兹伯格善用音色与演奏技巧的特色可以在这两首乐曲中一窥究章。 李斯特在金兹伯格一生的曲目中占有非常重要的地位,他演奏并录下多首钢琴与管弦乐团的练习曲与改编曲。这些练习曲包括展现音乐家惊人的想象力、技巧与说服力的《狩猎》。
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沙汉姆、索舍尔《舒伯特二重奏》
沙汉姆、索舍尔《舒伯特二重奏》
这张专辑是沙汉姆和索舍尔合作录制的小提琴与吉他二重奏。里面的选曲很多是十分熟悉的舒伯特著名作品,里面的小提琴占据了绝对主要的地位,吉他只是在旁边轻声的附和,乐器的定位小提琴更接近中间位置。沙哈姆的演奏技巧几近炉火纯青,正如权威评论家所赞誉的,“单就技巧方面而言,沙哈姆丝毫不逊色于海菲茨、帕尔曼这些大师。”在音乐表现上,沙哈姆体现了准确严谨的现代演奏风范,同时融合了丰富多彩、变化自如的表现力,相比起现时期另一位小提琴家克莱默来说,他的演奏更具绅士风度和吸引观众的气质。他在抒情性段落展示出的甜美、亲切的歌唱性具有沁人心脾的美。” 唱片中收录的大多是一些小型的作品,包括脍炙人口的《音乐的瞬间〉、《小夜曲》、《阿佩乔尼》等等,加上极佳的录音效果,让人似乎置身在19世纪维也纳的家庭音乐会之中。专辑中收录的所有曲子可以用优美动听来形容,抒情的气氛始终充斥着整张唱片,而技巧的含量却一点不含糊。在此特别推荐《阿佩乔尼奏鸣曲》,在1823,维也纳著名的吉他制作家斯塔法突发奇想,做出了一把六根弦的大提琴——后世称阿佩或吉他形大提琴。舒伯特见了很感兴趣,特地为这把乐器作了一首奏鸣曲,也就是如今我们听到的《阿佩乔尼奏鸣曲》。过了这么多年,“阿佩乔尼”这种乐器早已湮没在了历史的长河中,现在的音乐家演奏这首曲子时用的都是大提琴,但这首奏鸣曲的名称还是沿用至今,大多数人也只有因为这首曲子才知道曾经存在过那样的乐器。这首奏鸣曲是舒伯特的唯美之作,将古典主义的优雅和浪漫主义的抒情完美地结合在一起。也许是吉他形大提琴本与吉他十分相似,所以改编后小提琴替代钢琴也一点不会感觉生涩,整首乐曲听来琴瑟和谐,互动传神,两位大师的演奏更是把那种如胶似漆的意境融合进了如梦似画的梦幻中。
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